会場となったグラン・パレは、淡いピンクトーンに包まれ、巨大なキノコが出現。まるで絵本の一場面を思わせる、ドリーミーな空間が広がった。マチュー・ブレイジーが初めて手がけるオートクチュール コレクションとなった今回、コレクションノートには一句が添えられた。「きのこにとまる鳥　刹那の美しさに触れ　遥か遠くへと飛び立つ」（詠み人知らず）。

「シャネルらしさとは何か」という、メゾンの本質に向き合う問いを投げかけたマチュー・ブレイジー。ファーストルックは、シルクモスリンで仕立てられた軽やかなシャネルのスーツで幕を開けた。

その後も、刺繍を施したシルクモスリンのルックが多彩なバリエーションで登場。モデルたちの手に携えられたバッグもシルクモスリンで仕立てられ、刺繍でしたためられたラブレターがのぞいてた。

ペールトーンの儚げなカラーパレットから、徐々にはっきりとした色彩に移り変わり、ムードは一変。フェザーやビーズをふんだんにあしらったドレス、アートのような刺繍、複雑に編まれたツイードジャケットなど、アトリエの職人技が息づいたルックが続く。

そうして徐々に、モデルたちが鳥へと変容していく様子を描き出していく。漆黒のカラスを思わせるルックでは、卓越したテーラリングによるシャープなカッティングと、流れるような柔らかなシルエットが際立った。続くルックでは、刺繍やレイヤリング、プリーツ、織りといった多彩な技法を用い、複雑で色彩豊かな羽の表情を職人技によって表現した。

マチュー・ブレイジーによる初のオートクチュール コレクションは、「シャネルらしさとは何か」という根源的な問いに向き合いながら、メゾンのコードを再解釈し、新たな視点で提示した。鳥をどこへでも飛び立てる自由の象徴として掲げ、シャネルの未来に向けた新たな飛翔を感じさせるコレクションとなった。

「オートクチュールは、シャネルの真髄そのもの──メゾンのエッセンスが散りばめられ、あらゆる表現が昇華されています。デザイナーの想いが込められた作品であると同時に、纏う人自身の物語でもあります。纏うことで真のストーリーを紡ぎ出し、個々の物語や感情的な共鳴がもたらされ、女性たちは自分自身の物語を描くキャンバスを手にするのです」──マチュー・ブレイジー

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シャネル カスタマーケア
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「Fireflies（ホタル）」をキーワードに、光と闇、記憶と希望をめぐる詩的な世界観を鮮やかに描き出した今回のコレクション。クリエイティブ ディレクターのアレッサンドロ・ミケーレは、20世紀の偉大な映画監督として知られるピエル・パオロ・パゾリーニが若い頃に残した手紙に記された「ホタルの光」の寓意から着想を得たという。戦時下の不安に包まれながらも、暗闇の中でほのかに輝き続けるホタルは、抑圧に抗い、希望を灯す存在として描かれている。ミケーレはこのモチーフを通じて、均質化と閉塞感が深まる現代においても、かすかな光を見い出すまなざしを失わないことの重要性を問いかける。

会場は、インスタレーション・デュオ「NONOTAK」とのコラボレーションによって生み出された空間が広がり、ほの暗い照明の中に細い光の筋が交錯し、まるで無数のホタルが夜を漂っているかのような演出がなされた。

黒と白を基調としたシルクやサテンのドレスは柔らかく光を反射し、鮮やかなカラーが要所で差し込まれることで、光と闇の対比が一層際立った。透け感のある裾や繊細なドレープ、肩のフォルムを強調したジャケットなど、構築的なシルエットも見られた。一部のルックではスパンコールやビーズの刺繍が用いられ、まるで闇の中に光が点々と瞬くような効果を生んでいた。

ショーの終盤には、モデルたちが中央に集まり天を仰ぐようなフォーメーションを組むと、会場全体にやわらかな光が満ち、まるで観客自身がホタルの群れの中に立っているかのような光景が広がった。

ミケーレは次のように語っている。「ファッションは、既存の価値を揺さぶり、魅惑的な輝きと優雅さに満ちた光を放ちます。これらは暗闇の中の儚い閃光であり、可能性の扉を開き、想像力に社会を動かす力を与えるホタルの集まりなのです」。

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ムッシュ ディオール以降ディオールにとって初めてとなるメンズ、ウィメンズ双方でクリエイティブ ディレクターの大役を担うジョナサン・アンダーソン。6月に発表されたメンズコレクションでは、メゾンに通底する歴史と伝統を鮮やかに再解釈した内容で、大きな評判を呼んだのも記憶に新しい。わずか2ヶ月で完成させたという本コレクションもまたメゾンの“言語”を解読しようとする試みの集積であり、それを独自に発展させる意思の表れとなった。

ランウェイショーの開始前、会場中央に設置された逆三角形のモニターに映し出されたのは、メゾンの歴史を培ったムッシュ ディオールを初め、ジョン・ガリアーノやラフ・シモンズといった先人たちの姿や往時のコレクション映像、さらにヒッチコック映画のシーンをカットバックした映像だ。イギリスのドキュメンタリー映画監督、アダム・カーティスがコレクション用に制作したもので、劇中の女性によるスクリームと矢継ぎ早に差し込まれるフッテージが会場内の緊張感を高める。

映像終了後に明転すると、ショーがスタート。ファーストルックはピュアホワイトのデイドレスで、身体のラインを横断するように2つのリボンが交わる。リボンやボウ（蝶々結び）のモチーフは、ムッシュ ディオールも愛した永遠のシンボルであり、前任者のマリア・グラツィア・キウリも多用していたモチーフのひとつ。本コレクションでもコットンドリルのミニスカートやレースのドレスのバックスタイルなど、ディテールの要所要所で散見された。また、序盤で登場したハットは、19世紀に航海士が被っていた帽子に倣ったもので、スティーブン・ジョーンズがデザインを手掛けた。かつて、キム・ジョーンズがディオール在籍時にも重用していたハットデザイナーの存在が、連綿と続くメゾンの歴史を感じさせる。このハットは、本コレクションを代表するキーピースのひとつとして、数多くのルックで採り入れられていた。

アンダーソンによるアーカイブのリファレンスを再解釈する試みは、多方に見て取れる。アイコニックな「バー」ジャケットは、シュリンク加工によってサイズダウンすることで、構築的なシルエットを強調。メンズコレクションと同様にアンダーソンの出身地であるアイルランドの伝統的なドネガルツイードを使い、ネップのようなゴールドのスパンコールと、サテンで切り替えたピークドラペルが粗野なテクスチャーに、洗練されたエレガンスを加味する。パネルを幾重にも重ねてボリュームを出した“デルフト”ドレスも、Pコートのヘムラインやモーニングコートのテール部分などに応用されていた。

1952年秋冬コレクションで発表された「シガール」ドレスや、1949年オートクチュールコレクションが初出となる「ジュノン」ドレスもモダナイズされている。前者は、鋭角的に張り出したフォルムを総レースのドレスなどに転用。サヴォワールフェールが息衝く精緻なレースと構築的なシルエットが意外なコントラストを生み出す。また、孔雀の羽を思わせるブルーグリーンの花びらを重ねた傑作「ジュノン」ドレスは、ミニ丈のスカートやトップスの首元を飾るあしらいとして使われている。花弁をマキシサイズに変えて「ニュージュノン」として再解釈したキウリに比べると、やや控えめなアレンジにも映るが、荘厳な雰囲気のオリジナルに対し、ヘルシーなミニ丈のドレスにすることでコンテンポラリーに昇華している。こうした時代の空気を的確に捉えたバランス感覚もまたアンダーソンの持ち味だろう。他にも、メンズコレクションで先駆けて発表された1948年春夏コレクションのドレス「カプリス」のシルエットを模したデニムパンツは、今回ウィメンズでも登場。先述した「バー」ジャケットを含めて、性差を問わない共通のデザインやディテールも本コレクションの特徴と言えよう。

伝統に終始しないアンダーソンらしい個性も目立った。異形なフォルムもそのひとつ。短冊状のファブリックを編み込んで成型したバルーンシルエットのドレスやウエストラインからこぶのように大きく張り出したドレスは、ファッション（衣服）と身体性について問い直すかのよう。なかでも細かいプリーツが帯のように形作られ、裾に向かって不規則なドレープを描くワイドパンツとボウタイ付きのホワイトシャツを合わせたルックは、飾らないヘアメイクとの相性の良さも含めて目を惹いた。

また、ポロシャツやデニムスカートといったカジュアルなアイテム群も、“変化”を印象付けるのには効果的であった。本コレクションを通じて「ドレスアップとカジュアルダウンという相反するものの駆け引き」を意識したとアンダーソン自身が語っていたように、裾が切りっぱなしになったデニムスカートには、端正なテーラードジャケットやリボンブラウスを合わせるなど、必ず品の良さを忍ばせている。色や編み柄など、バリエーションで魅せていたケープもノーブルなムード作りに一役買っており、フェード感の強いデニムスカートに合わせたロングケープは、籐の椅子から着想を得たディオールの代表的なパターン“カナージュ”を全面にあしらうなど、伝統的な意匠が品格を後押しするという点で奏功しているのは間違いない。

© ADRIEN DIRAND

ショーのラストにアンダーソンが登場した際には、自然とスタンディングオベーションが起こるなど、初めてのウィメンズショーも大成功で幕を閉じた。挨拶がわりとなった本コレクションでは、アンダーソンの創造性に寄与するクラフト的なアプローチは鳴りを潜めており、まだまだ引き出しの多さには無限の可能性を感じさせる。冒頭のオープニング映像に話を戻せば、“Do you dare enter…the House of Dior?（ディオールというメゾンに、足を踏み入れる勇気はあるか？）”というメッセージが映し出された。これは、アンダーソンが自らに対して決意を問うものであり、同時に変化を受け入れる覚悟があるのかと観るものへと問いかけているようでもある。全権を託された稀代のデザイナーが今後どんなクリエイションを見せてくれるのか、いやが応でも期待は高まるばかりだ。

Dior
クリスチャン ディオール
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マチュー・ブレイジーがシャネルのファッション部門アーティスティック ディレクターとして初めて手がけたデビューコレクション。会場には惑星を思わせる球体が浮かび、幻想的で包み込むような空間が広がった。今回のコレクションは、“シャネルの宇宙”をテーマに、ガブリエル・シャネルとの対話を軸に構成。その対話は、「パラドックス（UN PARADOXE）」、「昼（LE JOUR）」、「普遍性（L’UNIVERSEL）」という3つのキーワードをもとに展開されている。

コレクションの冒頭においては、「パラドックス」というキーワードのもと、ガブリエル・シャネルが最愛の恋人ボーイ・カペルから借りて愛用していたメンズシャツからインスピレーションを得て、クラシックなテーラリングとマスキュリンな要素に、しなやかでフェミニンなラインを重ねたスタイルを披露。伝統を受け継ぎながらも軽やかにアップデートされた装いは、シャネルの二面性を象徴する。

続く「昼」をキーワードにしたルックでは、デイウェアを通してタイムレスなエレガンスを表現。クラシックなアイテムは現代的に解釈されつつ、時代を超えて女性に寄り添うワードローブとして提案されている。例えば、ハンドバッグ「2.55」は、使い古されながらも大切に扱われ、伝統的なバーガンディのレザーライニングが露わになったデザインに。シワ加工が施されたカメリアは、シルクニットのスーツにあしらわれ、ほつれたツイードは、縁取りや刺繍によって新たに生まれ変わった。

コレクションの終盤は、「普遍性」をキーワードに、冒頭で登場したマスキュリンな表現は、ブルゾンから着想を得て、柔らかく丸みを帯びたフォルムへと再構築されていく。緻密な研究と高度な技術によって生み出される多彩なツイードや織物は、シルクの裏地が施されるなど、素材へのこだわりが見て取れる。ツイードの格子柄は手編みニットやシースルー素材に姿を変え、シャネルスーツの構築的なシルエットが際立つ。

ジュエリーは、バロックパールやガラスの惑星、エナメル加工のチェーンなどをレイヤードしたスタイリングが印象的。シューズは、象徴的なバイカラーのデザインと実用的なヒールで、現代女性の強い味方に。

「シャネルといえば愛。ファッションにおけるモダニティは、あるラブストーリーから誕生しました。私はそこにこそ、美しさを見出します。時間や空間が存在しない、自由の概念。それは、ガブリエル・シャネルが身に纏い、勝ち取った自由なのです」──マチュー・ブレイジー

「ありきたりで退屈な日常に、割く時間などないのです。仕事のための時間と、人を愛するための時間があるだけ。他の時間など必要ないのです」──ガブリエル・シャネル

Chanel
シャネル カスタマーケア
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会場となったのはゴシック様式のアーチが連なる歴史的建築、コレージュ・デ・ベルナルダン。シガーサロンを再現した空間には写真家・パシフィコ・シラーノによる作品がずらりと展示され、音楽家・ロビン（Robyn）が手がけた本コレクションのための特別なサウンドトラックが響き渡る。歴史の息づく空間で、アクネ ストゥディオズは現代的で多様な女性像を再定義した。

ブランド従来のアーキタイプを分解し再構築したという本コレクションは、従来のフェミニニティの固定概念を打ち壊し、メンズウェアとウィメンズウェアの境界に新たな視点を見出した。

肩幅のあるスーツジャケットやユニフォームシャツなど、マスキュリンな要素が多く見られた今シーズン。長めのカウボーイブーツやラテックス加工でラバーのように仕上げられたボトムスのように、コレクション全体が中性的で力強いムードに包まれている。レザーやスエードは蝋引きやスプレーペイントによって加工され、ブランドらしい経年の美しさを際立たせる素材使いが存在感を放った。

女性的なフォルムを描くクチュールレースのドレスにはスクエアトゥのローファー、シアーなスリップスカートにはランバージャックシャツと、フェミニンとマスキュリンを軽やかに行き来する自由なスタイルも見られた。アクセサリーは琥珀やターコイズをあしらった大ぶりのイヤリングなど大胆な個性が光るアイテムが数多くラインナップ。フリンジやレザーが施された「Camero」バッグの新作や豊富な仕切りで収納力もある「Camero Hotel」も登場した。

強く、遊び心にあふれ、堂々と、そして何よりも自由に。アクネ ストゥディオズがブランド創設30周年を目前に改めて提示したのは、固定概念から解放された挑戦的でありながら洗練された女性像だった。

Acne Studios
アクネ ストゥディオズ アオヤマ
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ピッチョーリが打ち出したのは、創設者クリストバル・バレンシアガへのオマージュではなく“リキャリブレーション（再校正）”。過去の美学をなぞるのではなく、人間の創造力や感情に立ち返り、ブランドの精神を今の時代へ再構築するという挑戦。

コレクションの中心にあるのは「身体と布の関係」。動くたびに変化するフォルムや、生地と肌のあいだに漂う空気がデザインの要素として取り込まれている。構築的でありながら軽やかで、人の存在を引き立てるような佇まいが印象的だ。

レザージャケットやチノパン、Tシャツといった日常のアイテムは、建築的なシルエットで再解釈され、まったく新しいバランスに。メゾンを象徴するガザール素材も現代的にアップデートされ、花やフェザーの刺繍は装飾ではなく、服の構造を支える要素として息づく内部構造ではなく、カットとプロポーションだけで形を生み出すのは、職人の手仕事によるもの。ピッチョーリはその「人の手の力」を信じ、衣服に温度と意志を宿らせている。

会場では、復元されたパリのサロンに、クリストバルの故郷にちなんだ香水「Getaria」の香りが満ちていた。見えないけれど確かに存在するその香りが、“人間の本質”というテーマを静かに物語る。

ピッチョーリが鳴らしたのは、バレンシアガという名の新しい鼓動。構築と詩情、理性と感情が共鳴する、心の奥に響くようなコレクションだった。

Balenciaga
バレンシアガ クライアントサービス
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さまざまな時代の家具や作品が調和した、モダンなアパルトモンを思わせる空間が広がる会場。アンバサダーのBLACKPINKのリサやStray Kidsのフィリックス、日本からは穂志もえかや向里祐香らが来場し、華やかなゲストたちがショーの雰囲気を一層盛り上げた。

コレクションは、いわゆる“インドア向け”の服を新しい形で提案。ジャケットとパンツのセットアップは室内でも外出でも着られる洗練されたデザインで、肩やラペルは丸みを帯び、リラックス感と上品さを両立。透け感のあるシルクドレスには胸元や袖に控えめな刺繍やフリルが施され、着る人の内面の繊細さや個性を自然に引き出す。さらに、ビジューがきらめくローブ風コートや、フラワーモチーフのビーズ刺繍が施されたシアードレスなど、丁寧な手仕事が光る華やかで繊細なアイテムも揃う。

全体のカラーはホワイト、アイボリー、パステルカラーを基調に、ブラックやブラウンをアクセントに配置。シルエットはゆったりとしたドレープラインが中心で、ウエストを絞ったり、ショルダーラインをやや落としたり、丸みのあるカットを施すなど、身体のラインを美しく見せる工夫が随所に見られる。服は「秘密を語る存在」として、着る人の個性を静かに、しかし確実に表現している。

バッグは、伝統的なモノグラムをあしらったデザインのほか、ファーのクラッチやニットのショルダーバッグなどが揃い、柔らかな質感がコレクション全体の穏やかなムードを引き立てる。シューズは、レザーのスリッポンやサンダル、ルームシューズのような軽やかなシルエットで登場。テーマに調和したラインナップは、快適さとエレガンスを兼ね備えている。

音楽も演出の一部で、タンギー･デスタブル作曲の楽曲にトーキング･ヘッズのデヴィッド･バーンの歌詞「This Must Be the Place」を引用。ケイト･ブランシェットの朗読が加わり、視覚と聴覚の両方で観客を引き込む演出となった。

究極のラグジュアリーとは、他者に見せるためではなく、自分のために服を纏い、個性を表現すること。ルイ･ヴィトン 2026 春夏コレクションは、その思想を体現し、ファッションを通じて暮らしの美学を再定義するものとなった。

Louis Vuitton
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アンソニー・ヴァカレロによる2026年夏ウィメンズコレクションは、ブランドの根幹にある「美学＝言語」という理念のもと、スタイルを通じて現代社会における対話や多様性を表現した。煌めくエッフェル塔を背景に、会場のトロカデロ広場には、白いアジサイがYSLのカサンドラロゴをかたどるように飾られ、幻想的なランウェイを演出した。

ショーの序盤には、レザージャケットにボウブラウスやタイトスカートを組み合わせた、力強いシルエットが登場。続くルックでは、ナイロンや透け感のある素材を用いたトレンチコート風ドレスが並び、パワーショルダーのフォルムやウエストマーク、首元にあしらわれたベルトが印象的だった。

終盤は、ふんだんにラッフルやフリルをあしらったボリュームドレスが登場し、カラーもオレンジやグリーン、カーキなどのカラーパレットで展開された。

ヴァカレロが提示するのは、ファッションを単なる装いではなく、視覚的で象徴的な“言語”としてとらえる視点。サンローランのシグネチャーを現代的に再解釈し、メゾンの美学をあらためて問い直すコレクションとなった。

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“構成の核”を意味する「BODY OF COMPOSITION」をテーマに掲げた本コレクション。コレクションノートによれば、溢れかえるコンテンポラリーカルチャーに対して、衣服を通じて抽出や濾過といったプロセスを経ることで、その答えを導き出すものだという。思えば、プラダは2025春夏ウィメンズコレクションでも、インターネットがもたらすアルゴリズムによって導かれる限定された世界への懐疑的な視点を表現しており、おしなべて均質化されたカルチャーに対しての異議申し立てという点では、ミウッチャ・プラダとラフ・シモンズにとっては継続的なテーマであると言えよう。

会場となったフォンダツィオーネ・プラダは、剥き出しの円柱が等間隔に並べられただけのシンプルな空間。アート・オブ・ノイズの『Moments In Love』が流れるとショーはスタートした。先述したコレクションノートには「期待を裏切るような意外な手法で、さまざまな要素を分散あるいは組み合わせ、ボディにまとわせた」とあったが、サンプリングを駆使したサウンドコラージュの先駆的な存在であるアート・オブ・ノイズの曲を使用したのも示唆的である。

ファーストルックは、ミリタリーのオフィサーシャツとパンツのセットアップ。トップハンドルのバッグを携え、足元はフラットソールのレザーシューズを合わせた。シャツのエポーレットやパンツのクリースにユニフォームの規律が見て取れる。続いても同じようなセットアップだが、肘まで覆ったオペラグローブがスタイルのアクセントに。ワークウェアとフォーマルな小物という“組み合わせの妙”もさることながら、“異なる要素を並べて配置しただけではない、創造的なプロセス”で作られたとコレクションとあるように、ワーキングクラスと上層階級の象徴的なアイテムを組み合わせることで、装いにおける記号性を排除したと捉えるべきだろう。このオペラグローブはマテリアルやカラーを変えてショーを通じて多用されており、本コレクションのキーピースとして機能していた。

また、ショー終盤にいくつかのルックで披露された、首元をスクエアにカットしてビジューで装飾を施したトップスは、ノルウェーの民族衣装“ブーナット”やドイツの“ディアンドル”を想起させるもの。どちらも元々、農村の女性が着用していたという出自を考えれば、記号性はもちろん、階級という“呪い”を取り払う狙いも伝わってくる。

再度コレクションノートの言葉を拾うと、ドレスにおいては「従来のやり方から解放された自由な作りでありながら、完璧な調和を奏でた」とある。バリエーションで魅せていたサロペットのようなルーズなスカートや、フィット感を無視したブラトップがその一例だ。前者は肩紐の存在がかろうじて重力に抵抗しているような異形のフォルムであり、後者に関してはバージスラインがブカブカに浮いており、服やアンダーウエアが持つ根本的な性質や機能そのものを問い直している。ただ、どのアイテムも柔軟な着こなしができるようデザインされたものであり、スカートで言えば怠惰にズレた腰元の隙間からショートパンツを覗かせ、レイヤードで魅せていた。シアーなレーススカートにはアウトドアライクなナイロン素材を合わせるなど、素材感や色柄の対比で重層的なニュアンスを表現するなど、スタイリングの余白や遊びを着用者に委ねている。

今年2月に行われた2025-26秋冬ウィメンズコレクションでは、女性らしさの定義を見直し、ファッションにおける従来のジェンダー規範の解放を試みている。今回、スカートやブラトップといった女性性の典型的なアイテムを、意外な手法でエレガンスに昇華させたのは白眉であった。また、ラフとミウッチャというトップ・オブ・トップのスターデザイナー同士が、こうしたセンシティブなニュアンスを共有し合っていることも、現在のクリエションの充実度に繋がっているのだろう。

衣服が本来備える作用を問い直す試みは、何もシルエットを崩すことだけに留まらない。レースやタフタなど、パネルごとに異なるファブリックを繋ぎ合わせたスカートは複数のバリエーションで登場。プリーツの数やティアードの位置、色柄のバランスなどを考慮してそれぞれの分量や丈感を変えるなど、手の込んだ作りが光る。中盤以降にいくつか登場したボックス型のワンピースの裾をたくし上げてテクニカルファブリックのバルーンスカートが飛び出したようなドレスも印象に残った。身頃に生まれる大きなドレープとドローコードで絞った裾部分が歩くたびに揺れ動くようなフォルムを形作っており、構築的なパターンメイキングによって、従来の常識から逸脱した自由なファッションの作り方を別のアプローチから立証している。

他にも目を惹いたのが、マイクロミニ丈のブルマパンツだ。2026春夏メンズコレクションで披露されて話題を呼んだが、今回もトップスと一体化したジャンプスーツやパンツ単体として様々なルックで重用されていた。“姿勢の変化−意味の解体、そして力の解体”をテーマの一つに据えたメンズコレクションとも地続きとなるテーマの継続性が、コレクションに奥行きを付与しているのも見逃せない。

ファッション誌のレポートによると、コレクション後にラフは「今は世の中の何もかもが極端に激しい」と語ったと言う。ミウッチャもまた、ミュウミュウ（Miu Miu）2025年春夏コレクションのなかで、情報過多な現代社会において物事を正しく吟味する審美眼が必要だと暗に説いている。両者ともにネット、とりわけSNSにおけるエコーチェンバー現象が、偏った情報をより先鋭化し、逆に感性を鈍化させていることを危惧しているのだろう。その巨大な渦の中で2人の天才が抗い続けている姿は実に頼もしく、心を打つものがある。そうした背景も含めて、深い余韻が残る印象的なコレクションであった。

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プラダ クライアントサービス
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アーティスティック ディレクターのシルヴィア・フェンディが手がける今回のコレクションは、「光と色彩の旅」をテーマに、軽やかなフォルムと鮮やかな色彩が織りなす開放的なスタイルを提案。

マーク・ニューソンによるピクセル化されたカラーフィールドのセットが出現し、万華鏡のように移ろう色彩とシルエットが軽快に共鳴するかのよう。サスペンダーやコルセットを思わせるボタンホールのタブがジャケットやスカートを彩り、虹色のフローラルプリントやデイジーの装飾が遊び心を添える。純白やコンクリートカラーから、ターコイズ、コーラルピンク、バブルガムといったキャンディカラーまで、多彩な色のハーモニーが広がり、都会的で開放感あふれるムードを醸し出した。

シルエットはリラックス感を重視しながらも、オーガンザやシアーなジャカードなどの軽やかな素材を用いて、透け感や動きを感じさせるスタイルを提案。クロシェ編みのポロシャツやシルクケーブルニットのツインセットなど、伝統的な技術と現代的な感覚が融合したルックも印象的だ。職人技を駆使した刺繍やレースが、コレクション全体に繊細な彩りを与えている。

アクセサリーでは、ビーズで飾られた「フェンディ コリエ」や透明なフローラルビーズをあしらった「ピーカブー」、ケーブルニットシルクで再解釈された「バゲット」や「スパイ」バッグなど、ブランドを象徴するアイテムが新たな表情を見せた。

フットウェアでは、カットアウェイのサンダルや格子細工のローファーが登場し、軽やかで洗練されたムードを強調。さらに、デルフィナ・デレトレズ・フェンディによるジュエリーがコレクションを彩り、遊び心とエレガンスを兼ね備えた仕上がりに。

シルヴィア・フェンディは「これは、リラックスしたカラフルな心地よさと、ロマンティックな優雅さについてなのです。ひとつの定義に縛られるものではなく、日常と卓越したクラフツマンシップの間を行き来する流動性のこと。シンプルな所作の背後に、複雑な仕事が隠れています。その二面性に、私は惹かれてきました」と語る。伝統を踏まえながらも新しい解釈を重ね、フェンディらしい自由で遊び心に満ちた世界を見せてくれた。

FENDI
フェンディジャパン
TEL／0120-001-829
URL／www.fendi.com

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会場には、日本からKis-My-Ft2の玉森裕太をはじめ、ローレン・ハットン、ジュリアン・ムーア、ユマ・サーマン、BTSのRM、Stray KidsのI.N、MEOVVのSooinなど、世界的セレブリティが集結。ルイーズ・トロッターのデビューを祝福するかのように、その瞬間を堪能した。

ランウェイには、サマーウールやコットン、ナッパレザーが織りなす軽やかで構築的なルックが次々と登場。メンズもウィメンズも、イタリア伝統のテーラリングをベースにしながら、ジャケットの裏地を覗かせたり、仕立てをあえて崩すなど、クラシックの中に新しい息吹を吹き込んだ。シルエットはのびやかで、時に流れるように、時に建築的。動きに合わせて光を反射するテクスチャーが、夏の空気を纏うかのように輝く。

バッグはブランドのDNAを映し出す象徴的存在。イントレチャートはクラシックな9mm／12mmのスケールに回帰しつつ、より柔らかなプロポーションに刷新。名品「ローレン」や「ノット」がアップデートされ、「カバ」はクラッチへと進化。さらに新作「スカッシュ」やフレームトート、クラフティバスケットなど、多彩な新型が加わった。

創業60周年の節目を飾るサウンドトラックは、映画監督スティーヴ・マックイーンによる『’66 – ’76』。ニーナ・シモンやデヴィッド・ボウイの名曲を「音のイントレチャート」として再構築し、ショー全体に響かせた。

ルイーズ・トロッターは「イントレチャートはボッテガの言語。異なる要素を編み上げることで強さを増す」と語る。伝統と革新、人と人を結び合わせる“工房＝ボッテガ”の真髄を映し出すコレクションとなった。

Bottega Veneta
ボッテガ・ヴェネタ ジャパン
TEL／0120-60-1966
URL／www.bottegaveneta.com/

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クリエイティブ・ディレクターのスチュアート・ヴィヴァースが手がけた今回のコレクションは、アメリカンスタイルを新たに解釈し、洗練されたフィニッシュとフォルムの美しさを追求。現代を生きる世代の自由な自己表現からインスピレーションを受け、ブランドの感性をさらに広げたものとなった。

「スプリング コレクションでは、ニューヨークらしい感覚である“輝き”と“荒々しさ”の絶妙なバランスを意識しました。ここでいう“荒々しさ”とは、街の回復力。毎朝、街が新たに息を吹き返す、その美しさです。たとえば、ビルの壁やガラスが朝の光に照らされて輝き、時間の経過とともに風合いが増していく。そんな都市の生命力を表現しました」（スチュアート・ヴィヴァース）

コレクションでは、スエードやナッパレザーなど丹念に加工されたレザーを使用。柔らかなワックス仕上げ、使い込んだような質感、箔の擦れ加工などで独特の表情を加えた。リサイクルデニムやワークウェア素材のオーバーサイズパンツ、テーラードパンツやスカートと合わせ、都市のリアリティと洗練が交差するスタイルを提案した。

カラーパレットは、ホワイト、ハニーブラウン、タン、フェードブラックを基調に、パステルブルー、イエロー、グリーン、さらにメタリックのアクセントをプラス。アウターにはスエードやナッパ、ワックス加工レザーのモトジャケット、クロップドジャケット、ブルゾン、モールスキン素材のピーコートも登場。リサイクルレザーを用いたブラックのモトジャケットは、ミニマルな金具で仕上げられ、シンプルなフォルムへのこだわりが感じられる。

アメリカの名所をグラフィックで描いたスーベニアTシャツも登場。ニューヨークという街の輝きを、コーチならではのクラフツマンシップ溢れるクリエイティビティで表現したコレクションとなった。

Coach
コーチ・カスタマーサービス・ジャパン
TEL／0120-556-750
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クリエイティブ・ディレクターのヴェロニカ・レオーニが手がける2回目のコレクション。今回は、「生活のための服」というコンセプトをさらに発展させ、ニューヨークに生きる映画の登場人物のような人々や、彼らが着こなす一体感がありつつ多彩さもある服装から着想を得た。「2回目のコレクションでは、カルバン・クライン“見せ方”ではなく“あり方”として表現したいと思いました。その精神状態を、大胆で飾り気のない情熱で捉えたかったのです。深い親密さと露出への嗜好の間にある緊張感は、クラフトと職人技によって解決されます」とレオーニは語る。

リアルライフに根ざした“生の美しさ”を表現する着こなしを打ち出し、ジャンパースカート、トレンチコート、バスローブ、ブレザー、デニムジャケット、ポロシャツなどのほか、小物はTストラップサンダル、ブーツ、スニーカーソールのモカシン、洗練されたデザインのハンドバッグ、眼鏡、折りたたまれた幾何学的なイヤリングなどがキーアイテムとなっている。

キャミソールやバリエーション豊富なスリップ、レースのアクセント、眼鏡ストラップなどに、ブランドのアイデンディティであるアンダーウェアの要素が見られ、アイコニックなロゴ入りウエストバンドを織り込んだシームレスなツイードドレスが登場。スレンダーなものから、クロップド丈で肌を見せるもの、ゆったりとしたレイヤードスタイルまで幅広いシルエットで展開し、精密なテーラリング、流れるようなドレープ、フリンジのディテールが印象的だ。レザーもさまざまな表現でレザーは、タオル地のような質感をレーザーカットで表現したり、手作業で編み込んでフリンジドレスに仕上げたりと、多彩な方法で新しい表情が加えられた。

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今回のコレクションでは、ブランド設立当初からデザイナーのアレックスを支えてきた彼の母、イン・ワンに敬意を表し、自らの力で道を切り開いてきた彼女から得たインスピレーションをもとに、「パワードレッシングは女性のためにある」というメッセージを表明した。

会場は、ニューヨーク・チャイナタウンの入り口に位置する歴史的建築「58 Bowery」。アレックスとイン・ワンが購入し、初めて中国系アメリカ人の所有となった。現在は改装が進められており、2026年にはアジアの芸術と世界に広がるアジア・ディアスポラを称える拠点「The Wang Contemporary」として生まれ変わる予定だという。

ファーストルックを飾ったのは、ブランドが追求してきた“パワードレッシング”を象徴する一着。ショーの中盤ではドローンによるスペクタクル演出により雰囲気が変化し、「ソフトとシャープ」の融合を表現したレーザーカットナイロンドレスや、新作ハンドバッグ「Siren」がブランドらしいシグネチャー・ハードウェアとともに登場した。

起業家のルーシー・グオと俳優のポム・クレメンティエフもモデルとしてランウェイに姿を見せた。バスト下やヒップで大胆にカットされたボンディングジャケット、メタリックにラミネート加工されステルスかつモダンな表情を纏ったツイード、クロシェ編みニットなど、多彩なルックが披露された。

アフターパーティでは、Awichによるスペシャルパフォーマンスも。女性の力強さを讃え、ブランドのマニフェストを体現した一夜となった。

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