生活の道具としての器、アートとしての器。ガラス、陶磁、七宝焼…それぞれの技法で表現する作家たちの作品から奥深い創作哲学を読み解く。Vol.4は器作家 広瀬陽。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2025年10月号掲載）

七宝焼とは、金属の素地にガラス質の釉薬を焼き付ける伝統工芸の技法で、鮮やかな色彩のジュエリーや美術品に用いられる。それに対し、器作家の広瀬陽は、色をのせる前の下地の白に着目。偶発性による奥深く複雑な白を、学生時代に学んだ鍛金の技法と組み合わせた。

急須と茶杯と茶托の茶器セット。円が縦に連なったような絶妙なバランスの造形美。

造形においても、精密な数値設計に基づく3D図面と自動切削機で木型を作る一方、銅を切り出し叩くといったエッジや表面の仕上がりを左右する工程は、手作業ならではの微妙な歪みや揺らぎにこだわる。そしてプロダクトと工芸品の間にあるものを追求すると同時に、空間に与える影響も考えながら制作するという。

広瀬にとって器とは、単に使える道具としての枠を超えた、インスタレーションの構成要素でもあるのだ。

プレートは、８寸サイズを規格に、リムあり、リムなし、オーバルなどテーブルに複数並べたときの印象を考慮してサイズやデザインを決める。

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生活の道具としての器、アートとしての器。ガラス、陶磁、七宝焼…それぞれの技法で表現する作家たちの作品から奥深い創作哲学を読み解く。vol.3は、陶芸家 須藤圭太。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2025年10月号掲載）

陶器を身体に見立て、衣服やアクセサリー、タトゥーからインスピレーションを得て装飾を施す陶芸家、須藤圭太。「dress」シリーズは、まさに「装う」がテーマ。陶磁器の修繕技法の金継ぎをヒントに、黒い楽焼の器をあえて破損し、割れによって生じた傷を「不完全・コンプレックス」と読み替え、釘と糸で“ドレス”を纏わせることで、ポジティブなものへと昇華する。

「dress /vase」割れ、破損をより魅力的に見せるためどう糸を纏わせるかを考えながら制作。

「dress / tea bowl」傷口を縫合する糸のリズムをそのまま美しい装飾へと解釈。

「MYO」シリーズは、黒土をキャンバスに幾何学模様を刻み込み、モノトーンゆえの“白と黒どちらを見るか”という視覚の揺らぎを狙う。彫刻刀の刃が生むシャープな断面の強弱、緩急の連続は、まるでミニマルミュージックの反復のようなパターンを形成し、彫り痕の凹凸は触覚をも呼び覚ます。

須藤は、陶芸にファッションの概念を重ね、器とオブジェ、完全と不完全、強さと儚さ、相反する要素を共存させながら、その〈間〉に潜む美と自由を探る。

水平器で正確なグリッドを描いてから模様を下書きし、3種類の彫刻刀を使い分けて手彫りした「MYO / vase」

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器を縫う!?　陶芸家 須藤圭太の創作の源を探る Art / 18 10 2025

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生活の道具としての器、アートとしての器。ガラス、陶磁、七宝焼…それぞれの技法で表現する作家たちの作品から奥深い創作哲学を読み解く。Vol.2はガラス作家　 波多野裕子。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2025年10月号掲載）

曇り空のような、水墨画のような、ニュアンスのあるグレーのヴェールを纏った、端正なラインが生み出すミニマルな器。ガラス作家・波多野裕子は、砕いたガラスの粉末を型に詰めて焼成する、伝統的なガラス工芸のパート・ド・ヴェール寄りのキルンキャスティング技法を用いて、日常に寄り添う道具を作る。

薄暗く淡いグレーの光に包まれる、実用性より雰囲気づくりにこだわったランプシェード。

縄文時代ごっこをして遊んでいた幼少期にさかのぼる道具への愛着は、今も創作の核となっている。陶芸、彫金を経て、自分のスタイルにフィットしたこの技法で、「削り」「磨き」を通じて、自らの手で最終形へと完結させることに喜びを感じるという。

こだわり抜いたラインが生み出す口当たり、触感の心地よさは、使うことによって優雅な体験をもたらす。波多野の作品は道具でありながら、伝統工芸とガラスの持つ儚さを内包し、天然石のような穏やかな質感と、深遠なグレーの世界を漂い続ける。

シャープなのに穏やかな表情を持つ一輪挿し。研磨を突き詰め、口元とヒップのラインには徹底的にこだわる。

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生活の道具としての器、アートとしての器。ガラス、陶磁、七宝焼…それぞれの技法で表現する作家たちの作品から奥深い創作哲学を読み解く。vol.1は陶芸家 新里明士。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2025年10月号掲載）

陶芸家、新里明士の代表作である光器。白磁を透かし彫りにし、透かし部分に透明釉を掛けて焼き上げ、光を透過させ模様を浮かび上がらせる蛍手の技法を、独自の審美眼で応用する。穴を開けることで、器だけど器ではない、使えるものと使えないもの、機能とアート、伝統と現代といった曖昧な境界で作品を成立させることがテーマ。

穴を開け光を透過し捉える「光器」シリーズの光碗。

光器では時間とともに移ろう光、形のない光そのものを捉える媒介としての表現を目指している。一方で、世界中どこでも土があるところには焼き物が存在すると、訪れた土地特有の素材や技法に合わせ、新たなアプローチを探りながら創作することにも精力的だ。陶芸を通して、その地の歴史や文化を解釈し、曖昧な境界、中庸という一貫した哲学を可視化させる。

失敗作が新たな視点を生み、割れた器をテーマに、完璧ではないものの魅力を追求。

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