ショーでは、TOMORROW X TOGETHERのヨンジュンやクロエ・セヴィニー、ジリアン・アンダーソンなど、多彩なバックグラウンドを持つキャストがランウェイに登場。また、アンバサダーのTWICEのモモ、エラ（MEOVV）、ミンニ（i-dle）をはじめ、世界各国から多くのゲストが来場し、ショーを華やかに彩った。

舞台となったのは、パリ16区のイエナ宮。荘厳な宮殿空間の内部に、野生の森を思わせるインスタレーションが出現し、人工と自然、秩序と野性という対比が際立つ。空間は単なる背景にとどまらず、コレクションのテーマを視覚的に体現する装置として機能していた。

今季のコレクションを象徴するのは、身体との親密さと内面へのまなざしだ。コットンポプリンやウォッシュドダブルカシミア、リネン、刺繍入りチュールといった、肌に吸い付くような柔らかな素材を多く採用。ランジェリーを彷彿とさせるリボンや繊細なディテールが、身体を肯定するメッセージのようにあしらわれている。

ミニ丈のドレスやレイヤードで見せるシースルートップスなど、身体に寄り添う軽やかなルックが抜け感を演出。その一方で、レザーやシアリング、ナイロンといった実用的なアウターを織り交ぜ、モダンなコントラストを描き出している。

各ルックに添えられたバッグやアクセサリーには、耳まで覆うファーのトラッパーハットや、ラバーペブル付きのシューズ、ワークブーツ、スタッズをあしらったバッグ、フラワーモチーフの大ぶりなイヤリングなどがあり、ルックにタフさやフェミニンな遊び心を加えていた。

衣服は、身を守るためのものにとどまらない。内側にあるものを大切にし、価値を見出すための手段でもある。それは、ブランドのアイデンティティそのものを改めて浮かび上がらせるコレクションとなった。

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The post TXTヨンジュンやクロエ・セヴィニーがランウェイに登場「ミュウミュウ」2026年秋冬コレクション first appeared on Numero TOKYO.

ブランドの転換点ともいえる今季のコレクションは、身体に寄り添うことを軸にしたミニマルな表現が特徴的。装飾を削ぎ落とし、シルエットと構造そのものに焦点を当てることで、衣服を第二の皮膚のように自然に纏う感覚を提示している。

ショーは、布が肌に吸い付くようなタイトなミニドレスで幕を開けた。ボディラインをなぞるようなフォルムは、張り詰めた空気をまとい、静かな緊張感が漂う。シャープに絞られたジャケットやスキニーなパンツ、ボリュームを抑えたアウターなども登場し、全体を通して縦のラインを強調したストイックなバランスが際立った。

一方で、コレクションには流動的な要素も垣間見えた。ルネサンス期のギリシャ神話を想起させるドレープのドレスや、柔らかく身体に沿うTシャツは直線的な構築との対比を生み、スタイルに奥行きを与える。直線的なフォルムと流動的なシルエットが交差しながら、身体性を多角的に表現している。

ショーのラストを飾ったのはケイト・モス。大きく背中の開いた光り輝くブラックドレスに、10カラットのダイヤモンドをあしらったホワイトゴールド製のGGタンガを配したデザインは、官能性と緊張感を同時に体現し、今季のテーマを象徴的に締めくくった。

今季は小物にもデムナの意志が息づく。アイコニックな「グッチ バンブー 1947」は、複数のレザーを組み合わせたしなやかなバンブーハンドルを備え、より直線的なフォルムにアップデート。シューズはグッチ初となる新作スニーカー「マンハッタン」が誕生。ハイカットのバスケットシューズを思わせるフォルムに、ローファーのようなスリッポンの軽快さを融合させた一足は、身体に寄り添う機能性と造形美をバランスよく併せ持つ。

デムナによるグッチの新章は、視覚的なインパクトではなく、着ることそのものを表現することで、その輪郭を静かに浮かび上がらせた。その変化は控えめでありながら、確かに印象に残るコレクションとなった。

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ショーには、ゼンデイヤ、BLACKPINKのリサ、Stray Kidsフィリックス、中条あやみなど華やかなゲストが訪れた。

会場では、緑の山脈のようなランドスケープのなかにランウェイが。空間デザインはドラマシリーズ『セヴェランス』を手がけたプロダクションデザイナーのジェレミー・ヒンドルが担当。どこか牧歌的な、そして未来的な空間を、モデルたちが歩んでいく。

ファーストルックは、まるで翼のような彫刻のようなケープと編み込まれたレザードレス。

森で光をうけてきらめく鉱物のようなボタン、艶のある鹿の角のようなヒールは、3Dプリントや樹脂によるもの。身体を大きく包み込むファーも植物由来。自然素材に限りなく近づきながらも、新たな質感を生み出している。

杖のようなレザーのスティック、山小屋の形をしたバッグ、遊牧民を思わせる大きなハット。そして1932年の原点に回帰した「ノエ」バッグ。

これまで長い時間の中で、風、雨、太陽、自然と呼応しながら生み出されてきた衣服のフォルムやディティール。機能と心地よさに並行して美しさが生み出され、それは独自の言語となり、世界の各地で物語を紡いできた。それは人々の生きてきた世界を形作ることでもあった。

ショーの終盤、遠くの雷鳴に重なりながらUNKLEの「Looking For The Rain」、マーク・ラネガンの深い歌声が流れはじめる。

ニコラ・ジェスキエールが目指すのは、自然の模倣ではない。自然のエッセンスに、ルイ・ヴィトンの長年にわたる創意工夫の詰まった職人技、そして現代の新たな技術を融合させることで、まさにハイパークラフトな”スーパーネイチャー”を生み出した。

デジタル世界へと変容をとげた現代において、自然という存在をあらためて解釈すること。私たちの現実と響き合うものを見つけること。地に足のついた歩みとともに、未来へと向かう、ルイ・ヴィトンの新たなフォークロア。

2026秋冬ウィメンズ・コレクションとショーのクリエイティビティに迫ったフィルムが到着！

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本コレクションの会場となったチュイルリー庭園は、今から450年以上前にカトリーヌ・ド・メディシス女王によって建設が命じられた由緒ある庭園。ルイ14世による再設計を経て、1667年には一般市民にも解放されたが、訪問者に厳格なドレスコードが要求されたという。当時から現在に至るまで、この場所を訪れるすべての人たちが「観察者」であり、散策すること自体が一種のパフォーマンスと化すという点においては、誰もが等しく「見られるため」の舞台でもあったのだ。アーティスティック・ディレクターを務めるジョナサン・アンダーソンにとっても創造性を掻き立てるこの場所を、ショーステージとしても機能させるために庭園内に回廊型のセットを配置。自然豊かな庭園内にあえてイミテーションの公園を作り上げた。

コレクションノートには、レズビアン小説の傑作と謳われるラドクリフ・ホール『孤独の井戸』（1928年）から「噴水は空中に水しぶきの雲を投げ、気まぐれに虹をかけた」という一節を引用しており、人工物から生み出される偶発的な美しさを期待したことが見て取れる。また、主人公がセクシャルマイノリティとして、自身のアイデンティティを探求する同小説の内容をなぞらえれば、アンダーソン自身も、男性と女性、非現実と現実、自然物と幻想というように単純な二元論では語れない曖昧さのなかに「美」や「本質的な価値」を見出したのではないだろうか。

抑制を効かせた弦楽器の調べが徐々に高揚感を高めるSentieri Selvaggi, Carlo Boccadoro & Emanuele De Raymondiの『Triptyque』が流れると、ショーはスタート。ファーストルックは、ポップコーン編みのような表情感のあるニットトップスにチュールスカートを組み合わせたドレス。キュッと締まったウエストから裾に向かって広がるペプラムは、メゾンのアイコンピース「バー」ジャケットを再解釈したもの。ティアードになったフリルの一部には小さなビジューがあしらわれており、銀のテープのトリミングも相まって、1949年オートクチュールコレクションで披露された「ジュノン」ドレスを想起させる。また、ティアードフリルは、ウェディングドレスのバッスルのように裾を引きずるほど長くボリューミーで、歩くたびにふんわりと揺れるバックシャンにロマンティックな余韻を残す。その後、カラーは異なるが、スカート部分が同一デザインのドレスが続くと一転、ガンクラブチェックのジャケットと共地のストール、パンツを合わせたルックが登場。風を孕んだような軽やかなテクスチャーとゆとりのあるシルエットが、クラシカルな柄行きをコンテンポラリーに魅せている。

ガンクラブチェックは、その後も裾部分に分量をたっぷりとってドレープを形作ったローブジャケットなどにも採用。また、今年1月のメンズコレクションでも披露されたポール・ポワレから着想を得たブロケードは、今回もジャケットやドレスなどにも用いられた。シルクのような光沢感のある生地に、金糸を使って織り上げた精緻な色柄は、本コレクションのインスピレーションにも寄与したルイ14世によって隆盛を極めた豪華総覧なバロック様式に通ずるものがある。他にも、素材やカラーなど、バリエーションで披露されたラペルをサテンで切り替えたスモーキングジャケット風のロングコートも目を引いた。ベルベットの質感やVゾーンから大胆に肌を覗かせたセンシュアルなルックは、無造作なヘアスタイルや足元に合わせたTストラップパンプスという一見“チグハグ”な組み合わせによって、エレガンスなムードをノンシャランに中和する。

ちなみに、オフィシャルのYouTubeチャンネルでショーを見ると、時折りドローンによる真俯瞰視点の映像が差し込まれる。ランウェイを中心にして、左右に「バッサン オクトゴナル(八角形の池)」 の水面に人工物の睡蓮が浮かぶ“イミテーションの”庭は、人為的だからこそ極めてグラフィカルな美しさを演出する。

サウンドトラックが、NEW YORKの『think of you』に変わった中盤以降には、メゾンのシグネチャーをアンダーソンなりに解釈したコレクションピースが続く。先述した「バー」ジャケットは、シルエットはそのままに砂時計型のスリーブにアレンジしたり、直接的なリファレンスではないかもしれないが、1952年秋冬コレクションで発表された「シガール」ドレスのウエストラインが張り出したような異形なシルエットの片鱗を伺わせるピースも存在する。

なかでもアンダーソンのデビューコレクション以来、メンズ、ウィメンズともに多用されている“デルフト”ドレスからの引用は今回も登場。パネルを幾重にも重ねてボリュームを出したディテールは、ジャケットのヘムラインにアクセントを添えたり、アウターのフロントデザインやドレスの後ろ身頃などにも取り入れられていた。また、前任者のマリア・グラツィア・キウリが多用していたモチーフのひとつで、ムッシュ・ディオールも愛したリボンやボウ（蝶々結び）は、アンダーソン就任以来、やや控えめな印象であったが、本コレクションではサテンのリボンを縦使いしてフリンジに応用。リボンの結び目で不規則な流れを生むフリンジが、歩く度に足に絡んでは離れるさまはプリミティブな躍動感を覚えた。

© DIOR

他にもアンダーソンの特徴でもある「ドレスアップとカジュアルダウンに象徴される相反するものの駆け引き」は、今回も多方に見て取れる。デニム地のティアードスカートもその好例だが、出色だったのが終盤に登場したダブルブレストのジャケットにフェード感の強いワイドシルエットのデニムを合わせたルックだ。別布で切り替えたピークドラペルのジャケットに微かに現れるネップのような表情は、スパンコールを散りばめたもので、ハンドルに手を通さずラフに掴んだハンドバッグも含めて、エフォートレスなムードが時代の空気感と呼応する。

小物類に目を向けると、睡蓮を模ったアシンメトリーなサンダルや、ストラップに「DIOR」のメタルアクセサリーをあしらったスエードブーツなどのシューズ類に加え、オールニット製のトップハンドルバッグやリボンとポルカドットを組み合わせたレザーバッグ、アンダーソンらしい童心をくすぐる亀を模したがま口バッグなどが印象に残った。バッグはショーに登場しただけでも相当数のデザインやバリエーションが見られ、この中からブックトートのような大ヒットが生まれるかもしれない。

“最新こそ最高”というクリシェは、ことファッションにおいては全く当てはまるものではないが、アーティスティック・ディレクターに就任して以来、常にキャリアハイを更新していくようなアンダーソンのクリエイションを見ていると、あながち嘘ではないとも思えてくる。市井の「観察者」として、素晴らしいショーを鑑賞した直後でも、余韻に浸ることなくすぐに次のコレクションへの期待に変わることが、その証左と言えるだろう。

Dior
クリスチャン ディオール
TEL／0120-02-1947
URL／www.dior.com

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ルイーズ・トロッターによる2シーズン目となる今回のコレクションは、オーバーサイズのコートをまとったファーストルックで幕を開けた。ビッグショルダーに、なだらかな曲線を描く優雅なシルエットが印象的。構築的なフォルムを軸にしながらも、やわらかさを織り交ぜることで、身体を包み込むような安心感を感じさせる。続くルックも、ゆったりとしたシルエットでありながら、レザーのベルトがスタイリングのアクセントに。

キャメル色のコート、構築的だけれどしなやかなスカート、オーバーサイズのスーツなどが登場し、ボトムにはミニ丈も加わり、軽やかな抜け感を演出している。

ショーは次第にドラマティックなムードへと移行し、ファーやフェザーをふんだんに用いたルックが目を引いた。シルクやフィルクーペ、ニット、テクニカルファイバーといった多彩な素材を用い、ファーのようなテクスチャーを表現したアイテムも登場。こうしたアプローチはウェアにとどまらず、シューズやジュエリーにも見られた。

抑制の効いた前半のルックとの対比を際立たせるように、後半には進化した素材でファーの質感を表現した、ボリュームのあるルックが続く。もこもことしたフォルムは、身体を包み込むような感覚を強調し、コレクション全体に通底する安心感や親密さといったテーマを視覚的に体現している。

オペラや劇場、広場といった人の視線が集まる場での装いを想起させながら、自分のためであると同時に、他者との関係の中で生まれる装いのにも光を当てたという。抑制と解放、構築性とやわらかさといった相反する要素を行き来しながら、服と人との関係性や装うことの意味を見つめ直すコレクションとなった。

Bottega Veneta
ボッテガ・ヴェネタ ジャパン
TEL／0120-60-1966
URL／www.bottegaveneta.com/

The post 宮沢りえ、Stray KidsのI.Nらが出席「ボッテガ・ヴェネタ」2026年冬コレクション first appeared on Numero TOKYO.

会場には、日本から俳優の清原果耶とHANAのメンバーYURIが来場。さらに、Stray Kidsのバンチャン、i-dleのウギ、俳優のティファニー・タンら、各国のブランドアンバサダーがショーに華を添えた。

キウリが提示したのは、個の強さではなく、関係性の中で立ち上がる創造性。フェンディ家の5人姉妹が築いた歴史へのオマージュとともに、共に働き、共に作ることの価値を再定義する。多様性は個性を打ち消すものではなく、むしろビジョンを現実にするためのプロセス。その視点がコレクション全体を貫く。ランウェイではブラックを基調としたルックが印象的に並び、視覚的な統一感を演出。

今季は、フェミニンとマスキュリンの境界も曖昧に。両者を対立ではなく共有される資質として再解釈し、ランウェイには男女が並ぶ。ワードローブは軽やかに越境し、衣服は性別を定義するものから、日常や感情に寄り添う存在へとシフトしていく。

さらに、女性アーティストの作品を取り入れることで、世代や視点の違いが軽やかに交差する。イタリアの芸術家ミレッラ・ベンティヴォーリオとのコラボレーションによる限定ジュエリーは、彼女自身が1970年代初頭に手がけたデザインをベースに現代的に再構築。ジュエリーを「身につけられる詩」と捉え、思考や記憶を内包するピースとして、静かに存在感を放っていた。

アーティスト兼アスリートのサグ・ナポリとのコラボは、よりストレートな表現でコレクションテーマを体現。「Rooted but not stuck（根ざしているが、とらわれていない）」「Loyal but not obedient（忠実だが、盲従ではない）」といったフレーズがフットボールスカーフやTシャツに落とし込まれ、コミュニティに属しながらも自分を見失わない、そのバランス感覚を浮かび上がらせる。

新たな取り組みとして展開された「Echo of Love（エコー・オブ・ラブ）」プロジェクトにも注目したい。ヴィンテージファーを職人の手で解体・再構築し、フィット感やボリュームを整えながら美しく生まれ変わらせている。素材や耐久性に配慮しつつ、思い出や記憶を宿す「物語」として評価される取り組みだ。

コレクション全体に貫かれるこうした価値観は、バッグをはじめとするアクセサリーにも反映されている。目を引いたのは、ファーで仕立てられたフットボールマフラー。「Five Sisters（5人姉妹）」の文字があしらわれ、歴史へのリスペクトを象徴していた。

アイコンバッグ「バゲット」も、装飾性と実用性のバランスを保ちながら今のムードに寄り添う形でアップデート。日常に溶け込みつつ、個性をさりげなく主張する。

“私”から“私たち”へ。個の表現が飽和した時代において、キウリが示したのはファッションを通じた新たな連帯のかたち。その静かな強さが、フェンディの新章の幕開けを印象づけた。

FENDI
フェンディジャパン
TEL／0120-001-829
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会場には、巨大なクレーンを思わせる建設現場のようなセットが登場。赤・青・黄色などの原色で彩られ、幻想的でありながらインダストリアルなムードを醸し出した。

マチュー・ブレイジーによる2シーズン目となるプレタポルテコレクション。今回のコレクションでも、引き続きガブリエル・シャネルとの対話をもとに、メゾンのコードを現代的な解釈で再構築した。

「ファッションは毛虫であり、蝶でもあるのです。昼は毛虫、夜は蝶になりなさい」というガブリエル・シャネルの言葉を出発点に、昼と夜、そして実用性と華やかさの二面性に焦点を当てた。

「シャネルとはパラドックスです。シャネルとは、機能であり幻想でもあり、感性であり魅惑でもあるのです。シャネルは昼であり、シャネルは夜でもあります。つまり、毛虫と蝶のどちらを選ぶか、いつでも自由でいられるということです」──マチュー・ブレイジー

昼の装いの核となったのは、シャネルの象徴であるスーツの再解釈。纏う女性が自己表現できる“キャンバス”として捉え、リブニットやクラシックなツイード、ルレックスやシリコンを織り込んだ素材、さらにガーゼを組み合わせた複雑なファブリックまで、多彩な素材でアップデートされた。1920年代に着想を得た軽やかなシルクジャージーをツイードに織り交ぜるなど、驚くほど軽く動きやすい仕立ても特徴。ブークレツイードのオーバーシャツや、メンズウェアからインスピレーションを得たコンパクトツイードのブルゾンなど、新しいスーツスタイルが提案されている。

シルエットで目を引いたのは、大胆なローウエスト。スーツやドレスのウエスト位置を低く設定し、ベルトでマークすることで、1920年代のフラッパーを思わせる縦長のラインを描いた。

また、マーメイドラインの流れるようなシルエットも印象的だった。裾へと緩やかに広がるラインが、軽やかな動きを生み出している。

グラフィカルなプリントをあしらったルックも登場し、コレクションに鮮やかなアクセントを添えた。

ショーは次第に昼のリアルなスタイルから夜の華やかな雰囲気へと変化していく。フェザーやスパンコール、玉虫色に輝く光沢のあるファブリックが光に当たってきらめきを放ち、パステルカラーのルックーが幻想的な世界観を映し出した。

アクセサリーでは、現実と幻想の対話がより鮮やかに表現された。虹色にきらめく印象派の絵画を思わせる輝きが、エナメルやレジン、マザーオブパールを用いたジュエリーに表れ、幻想的なムードを強調。パステルカラーのセカンドスキンのようにフィットするバイカラーブーツも、その世界観を際立たせた。バッグは実用的なものから遊び心あるデザインまで幅広く登場し、ガブリエル・シャネルのアパルトマンのソファに着想を得たベージュのスエードバッグのキルティングや、ザクロ型のミノディエールなどが登場した。

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本コレクションのテーマは「INSIDE PRADA」。ミウッチャ・プラダは、コレクション終了後の囲み取材において「過去の模倣としてではなく、自分たちが何処から来たのか、そして、現在の立ち位置を理解するうえでも歴史が重要である」と語ったという。創業者の孫であり、プラダをトップ・オブ・トップへと押し上げた立役者である彼女にとっての自己探究は、そのままブランドの歴史を辿ることであり、内省を試みるものである。また、“INSIDE（内部、内面）”とはプラダのことだけではなく、市井の人間の内なる本質的な多面性を受け入れ、女性が直面する多面的な現実と人生の複雑さをクロージングに投影した。

複雑かつセンシティブなテーマを具現化するうえで、ミウッチャとラフ・シモンズが採り入れたのが「レイヤリング」という手法だ。通常50〜60人程度のモデルが登場するプラダのランウェイショーだが、今回起用したのはわずか15人。彼女たちはそれぞれ4回ずつランウェイに登場するのだが、その都度、新しいルックに着替えるのではなく、アウターを脱ぎ、ときにはレイヤリングを組み替えたり、小物やアクセサリーを足し引きすることで、女性一人一人の多面性を視覚的に補完し、各々のキャラクターを掘り下げていく。

モデルのひとり、ベラ・ハディッドを例にとると、最初のルックは、1月に行われたメンズコレクションでも披露された、表側のファブリックが朽ちて芯地の千鳥格子柄が露出したかのようなジップブルゾンと、シアーな素材で覆われた膝丈スカート。2巡目でアウターを脱ぐと、シアーなスカートは上半身まで繋がったスプリングコートだったことが分かり、3巡目ではその下に着用していた腰にギャザーを入れたワンピース1枚の姿に。最後の登場時には、ワンピースも脱いで、ウール地のタンクトップとショートパンツというリラックスウェアへと変わる。くるぶしから甲にかけて花柄をあしらったバーガンディのレッグウェアと編み上げのポインテッドトゥのパンプスは、4つのルックに全て共通するのもミソだ。

他のモデルも同様で、レイヤリングというプロセスは、単なる着回しのアイデアではなく、個々人に根差す様々な記憶や経験の重なりを表現する象徴として用いられており、主体性という概念を表現するものだという。着替えの効率化や段取りの問題など、レギュレーション上の理由かもしれないので憶測に過ぎないが、レイヤリングが完成した状態から、徐々に削ぎ落とされてシンプルになっていくという順序も重要なのだろう。コレクションノートによると、レイヤリングによって多面性を探る行為は、逆説的に単純化された外見が内に潜む複雑さを伝える手段になるとも説いている。ひとりの女性が変容するプロセスを俯瞰させて見せることで、出自や外見でわかりやすくキャラクターに押し込む危うさを雄弁に伝える。

“〇〇らしさ”というお仕着せの呪いへの鮮やかな抵抗や旧態依然とした性規範への懐疑的な視点は、近年におけるプラダの特徴のひとつであり、継続したテーマ性がよりメッセージの解像度を高める。

「INSIDE PRADA」というテーマは、アーカイブというプラダの“歴史”を、新たな視点で再構築することにも現れた。美しいアズーリ（青）のシャツとニットの合わせは、プラダの代名詞的なルックだが、はみ出したカフスの歪なバランスや意図的に付けられたシワやクセに時間の連なりや記憶の積み重ねを表現。先述したメンズコレクションでも見られた袖口などに施されたパティーナ加工も同様の意図であろう。ユニフォームに象徴される規律を再解釈したテーラードスタイル、2000年代頭のプラダを思わせるスポーツウエア、テクニカルファブリックに施したクラフト的な刺繍といった相反する要素の大胆な組み合わせに、ヒエラルキーへの抗いが伺える。

他にも、メンズコレクションでも登場したアウトドア風のショートクロークをクラシックな外套とドッキングしたデザインは、今回ダブルブレストのロングコートに応用。セカンドルックに登場した生地が剥がれ落ちたようなディテールは、様々なアウターのバリエーションで魅せるなど、メンズと共通するデザインが、ジェンダーの境界線を曖昧にする。

小物類では、コントラストカラーの平紐を付けていたおでこ靴（バルブトゥ）のようなレザーシューズが目を引いた。クロップド丈のスラックスとの隙間からタイツの柄を覗かせたり、シンプルにワンピースと合わせたていたが、つま先にスチールが入っているのか、つま先の傷や汚れがチャーミングなフォルムにアクセントを添えている。大人のトムボーイ的なスタイルを表現するキーアイテムとして、実際に製品化されるとすれば人気を集めそうだ。

最後に演出面にも触れておきたい。デトロイトテクノの伝説的ユニットUR（アンダーグラウンド・レジスタンス）のオリジナルメンバー、ロバート・フッドの楽曲や、DAF/DOSのエレクトロニック・ボディ・ミュージックが効果的に使われていた音楽も秀逸だったが、注目したいのが会場の舞台セットだ。16世紀、17世紀のタペストリーや絵画、18世紀のベネチアンミラーやコンソール、そして1900年代の椅子、ランプ、絵画などの貴重なアートピースを壁面に配置。幾層にも重ねられたレイヤーが削ぎ落とされることで内側に秘めたものが露わになるように、生命の痕跡を示唆するような経年の趣や歴史の堆積といった、本コレクションに通づる思想を反映したものだという。社会問題にも寄与する骨太なテーマやメッセージ、それを形にしたコレクションピースの素晴らしさはもちろんのこと、音楽や美術セットにまで通底するプラダ独自の美学が強く印象に残るコレクションであった。

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シャネル（Chanel）が2026年3月10日（日本時間4:00）2026年秋冬 コレクション ショーのフィルムを公開する。

それに先駆け、フォトグラファーのデヴィッド・ベイリーが撮り下ろしたティザー写真が公開された。


マチュー・ブレイジーにとって初となる秋冬 コレクションの発表をぜひお楽しみに。

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本コレクションのテーマは「BEFORE AND NEXT」。コレクションノートの言葉を借りれば、ミウッチャ・プラダとラフ・シモンズは今回、過去を消し去ることなく進化すること、そして過去から受け継いだものを活かす新しい考え方を提案したのだという。会場の四方を囲む壁面をアールデコ調のドアや窓で装飾したシンプルな空間に、アイルランドのポストパンクバンド、ヴァージン・プルーンズの楽曲『Theme for Thopught』の歪んだギターサウンドが響き渡るとショーはスタート。ファーストルックはブラックのチェスターコートとスラックス、足元にはレザーのプレーントゥを合わせた端正なスタイル。ややナローなラペルと狭いVゾーンに合わせるようにシルエットはかなり細身で、袖口からインナーウエアのカフスが無造作に飛び出している。その後も起毛感のあるウールやヘリンボーン柄だったり、シングルブレスト仕立てになったりと多少の変化はあるものの同じようなコートがメインのルックが続く。コレクションノートによると、「縦長のかっちりとした新しいシルエットは、着る人への姿勢や心構えを考慮したものであり、不安定で予測不能な時代において、こうした明快さが安心をもたらすのだ」と説いている。

また、よく目を凝らすと、シャツ地のインナーは単純にカフスを幅広に折り曲げているのではなく、ルックによっては片側をカラフルなカフリンクスで留め、もう片側はあえて大胆に折り返すなど微妙な表情を付けている。また、袖口には汚れたシミのような加工まで施されている。さかのぼれば「ミュウミュウ」2025年春夏コレクションでも、シャツの襟を片側だけわざと乱すことで幼少期のおしゃまでどこか歪な装いを表現していたが、不完全なものや未熟なものに「美」を見出すことは、ミウッチャにとって創作における重要なエレメントなのだろう。

今期のテーマ「BEFORE AND NEXT」を日本的に解釈すれば、“温故知新”というニュアンスが近い。例えば、コレクションの前半にバリエーションで魅せていたトレンチコートとショートクロークの組み合わせもその好例だ。ギャバジン製の正統派トレンチコートの上部に、カットしたアウトドアライクなアウターを被せたドッキングデザイン。ネイビー地にはパステルグリーン、ベージュにはパープルというようにコントラストカラーを組み合わせ、上品なギャバジンと60/40クロスのようなヘビーデューティなマテリアルの対比が面白い。コレクションノートにも「伝統を踏まえながら、親しみのある要素を再構築し、既成概念への問いかけを通して一つのピースを組み立てた」とあるが、その言葉を象徴する一枚であった。

また、ジェンダーにおける旧弊な価値観にとらわれない提案も近年のプラダの特徴だ。“女性らしさ”を問い直した2025-26秋冬ウィメンズコレクションやマイクロミニ丈のブルマを取り入れた2026春夏メンズコレクションなど、画一的な性規範に対する懐疑的な視点は今回も健在だ。中盤以降に登場した素肌に着たニットのタンクトップもそのひとつ。スクエアにカットした深めの胸元や幅広のリブストラップ、ゆったりとしたシルエットなど、“マチズモ”的な肉体美を誇示するかのようなタンクトップ姿とは趣の異なるセンシュアルなムードは、コレクションのなかでも一際新鮮に映っていた。

再度、コレクションノートを引用すると、時間が持つ重要性も伝統を尊ぶキーワードとしてテーマを補強していた。ショート丈とロング丈で登場した中綿入りのレザージャケットはところどころ褪色し、雑に保管されていたような無数の畳みシワが付けられている。また、先述したスクエアネックのタンクトップには布帛のタイプもあったが、日に焼けたような黄ばみや食品汚れを思わせるシミが施されている。いわゆる経年変化やエイジングによる美しさではなく、個々人の記憶に紐づいたような人生の痕跡が意図的に表現されており、「文化や意味、知性、配慮といった文明が育んできた普遍的な人間の価値を維持することの大切さ」を暮らしの名残りに宿す。

ラフ自身もコレクション終了後「考古学っぽい考えでアプローチした」と語っているように、歴史の堆積や時間の経過を表現したディテールは多方に散見された。終盤に登場したベージュのバルマカーンコートとスイングトップもその一例だ。襟元や前立て、後ろ身頃など、表地が剥がれ落ちて芯地の千鳥格子柄が露出したような手の込んだ加工が施されている。まるで土に埋もれた数千年前の遺物を、丁寧に刷毛でかき出して見つけたような多層的な意匠はまさしく「考古学」的であり、着る人のパーソナリティをじっくりと紐解くようでもある。

他にも小物類では、船乗りが甲板で被るサウウェスターハットが目を引いた。ランダムにプリーツを入れてシワのようなクセが付けられており、そのまま被る以外にもぎゅっと圧縮してアウターの背面に貼りつけてコサージュのようなアクセサリーとしても機能していた。また、今回カラーパレットがネイビーやグレー、ブラックなどダークトーン中心だったこともあり、レザーシューズのシューレースに取り入れられていた鮮やかなパステルカラーがモダニティを添えていたのも印象的であった。

「私たちは、過去に学んだことを生かして、何を築くことができるのでしょうか」。ミウッチャとラフは観る者にそう問いかける。むろん、それは社会に横たわるさまざまな問題についてのことでもあり、今回の示唆に富んだコレクションから何を感じ取り、どんな気づきを得るのかは鑑賞者の想像力に委ねられている。

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