京都市内を舞台に、例年春に1カ月間開催される「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」。今年は「エッジ」をテーマに掲げ、4月18日（土）より8の国と地域14組のアーティストの展示を行う。

歴史的建造物から現代建築のランドマークといったさまざまな空間を舞台に、斬新な会場構成で展開する「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」。例年、ひとつの大きなテーマを掲げ、それを軸に世界各地のアーティストを紹介してきた。2026年度は「EDGE（エッジ）」をテーマに、森山大道、リンダー・スターリング、ジュリエット・アニェル、タンディウェ・ムリウ、柴田早理、イヴ・マルシャン&ロマ・メェッフェル、福島あつし、ファトマ・ハッスーナ、フェデリコ・エストル、アントン・コービン、アーネスト・コール、ピーター・ヒューゴ、レボハン・ハンイェと8の国と地域14組のアーティストが参加する。

本年度の大きな見どころが、共同ディレクターによる最近の現地リサーチのもと選ばれた、南アフリカ出身の3名のアーティストだ。アパルトヘイトの実態を記録したアーネスト・コール、彷徨するような視線で現代を映し出すピーター・ヒューゴ、個人的な歴史と政治的な歴史を重ね合わせながら探究するレボハン・ハンイェという南アフリカを代表する3世代の写真家を紹介する。

またケープタウンのアートラボラトリー「A4 Arts Foundation」と協働し、1940年代から現在までの南アフリカの歴史や政治、文化を辿るフォトブック・コレクションも公開。南アフリカの写真表現の奥深さを探究する機会となりそうだ。

そのほか、ブラジルのモレイラ・サレス研究所のチアゴ・ノゲイラがキュレーションし、60年にわたるキャリアを見渡す回顧展がひらかれる森山大道、CHANEL Nexus Hallとの協働による個展が開催となったイギリス出身のアーティスト、リンダー・スターリング、例年KYOTOGRAPHIEが取り組むアフリカと京都のローカルをつなぐレジデンスプログラムにはケニア出身のタンディウェ・ムリウが参加するなど、見どころが満載だ。

メインエキシビションのほか、トークやワークショップ、イベントなどのパブリックプログラムも多数開催。多様な写真表現を紹介するサテライトフェスティバル「KG＋」、音楽とサウンドアートの祭典「KYOTOPHONIE」の同時開催にも注目だ。この春ぜひ、京都のまちを巡ってみては。

KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭 2026
会期／2026年4月18日（土）〜5月17日（日）
会場／京都市内各所
料金／一般6000円、学生3000円
URL／www.kyotographie.jp/
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ただ一点のアート作品が、人々の未来像を塗り替えてしまうことがある。空山基の「セクシーロボット」シリーズ――プロダクト、映画、ファッションに至るまで、その影響は推して知るべし。日本が誇る異端の巨星、最大の回顧展が幕を開ける。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2026年5月号掲載）

柔らかなシェイプを描く女性の肉体美と、金属質な光沢を放つロボットの融合――。代名詞ともいうべき「セクシーロボット」シリーズで知られる空山基（そらやま・はじめ／1947年生まれ）の作品世界。その表現は「光」「透明」「反射」への飽くなき探求によって切り開かれてきた。少年時代、金属加工の工場で「回転する刃に削られて、金属が渦を巻きながら出てくるのがたまらなくセクシー」に感じられ「私が描いているのはロボットじゃなくて女の人だからね」と語る（小誌2023年7・8月合併号「男の利き手」インタビューより）。

時に物議を醸し、人間とテクノロジー、アートとポルノの境界線を揺さぶりながら、ソニーのエンターテインメントロボット「AIBO」のコンセプトデザイン、ディオールやステラ・マッカートニーとのコラボレーションなど、領域を拡大。近年の世界的評価を追い風に、メタリックな立体彫刻や映像作品にも取り組む一方、どんなに技術が進んでも「私が描く光の反射と透明感には到底追い付けない」と胸を張る（同インタビューより）。

本展は1978年に初めて描いたロボット作品から、最新の大型キャンバス絵画に至るまで、半世紀の軌跡を自身最大のスケールでたどる。驚異的なまでにリアルな表現技術でタブーを問い、未来を先取りしてきた異端の巨星――時代の追随を許さぬその展望に、震撼せよ。

「SORAYAMA　光・透明・反射　ーTOKYOー」
「セクシーロボット」シリーズで世界的人気を誇るアーティストの過去最大規模となる回顧展が、中国・上海に続いて日本へ上陸。最新情報はサイトを参照のこと。

　　
会期／3月14日（土）～5月31日（日）
会場／CREATIVE MUSEUM TOKYO
住所／東京都中央区京橋1-7-1 TODA BUILDING 6F
URL／https://sorayama2026.jp/

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イギリスを代表する現代美術家、ジュリアン・オピーの最新作が、2026年4月10日（金）より、東京・銀座のGINZA SIX ガーデン（屋上庭園）および1Fエントランスにて期間限定で公開される。

昨年9月からGINZA SIXの中央吹き抜け空間で話題を集めているジュリアン・オピーの作品。今回は、その続編として「子どもたちの歩く姿」を表現したシリーズ最新作を展示する。

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Numero.jp／GINZA SIX中央吹き抜け空間に、イギリスを代表する現代美術家ジュリアン・オピーの新作登場

1Fエントランスでは銀座の街を行き交う人々と呼応するように、映像作品が来訪者を迎え、屋上庭園には20体の立体作品が緑豊かな空間に新たな没入体験をもたらす。

今回、GINZA SIXは館内全体へと展示を拡大し、オピーの世界観を多角的に体感できるアート空間を展開。また、2025年より始動した「DAIKEI MILLS」との3年にわたる協業アートプロジェクト「A Tree（エイ・ツリー）」では国内外で活躍する6組のデザイナー作品が登場し、Phase 2が完成、藤原ヒロシとサカナクションの山口一郎による人気番組『FUJI-YAMA MID-NIGHT-FISHING』（BSフジにて不定期放送）の公開収録など、多彩なカルチャープログラムも実施される。

さらに、オピーの新作グッズを期間限定で販売するPOP UP SHOPが登場。「Children」シリーズや、『Marathon. Women.』の作品をモチーフにしたTシャツやトートバッグなど、ここでしか手に入らないオリジナルアイテムが並ぶ。

アートとカルチャーが交差する、GINZA SIXならではの特別な春を、この機会にぜひ体感してみよう。

※掲載情報は4月18日時点のものです。
開館日時など最新情報は公式サイトをご確認ください。

『20 Children』
会期／2026年4月10日（金）～6月30日（火）予定
会場／GINZA SIX ガーデン（屋上庭園）
住所／東京都中央区銀座6-10-1
『Playground』
会期／2026年4月10日（金）～6月30日（火）予定
会場／GINZA SIX 1F エントランス（中央通り正面4丁目側）
住所／東京都中央区銀座6-10-1
URL／https://ginza6.tokyo/sp/gsix2026/art

【POP UP SHOP】
期間／2026年4月22日（水）～5月6日（水・祝）
場所／GINZA SIX 4F
※数量限定販売（なくなり次第終了）
URL／https://ginza6.tokyo/sp/gsix2026/art/popup

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新進気鋭のガラス造形作家、今田莉野生。言語に基づくアイデンティティや感情の刹那を掬い上げることを主題に、ガラスを媒介に思考を視覚化する多角的な制作を行う。アメリカでガラスと向き合いながらアートを学び、現在は金沢を拠点に活動する彼女のクリエイションに込められた思考に迫る。

──ガラス制作に興味を持ち始めたきっかけは？

「ガラスを作り始めたのが中学二年生の頃です。もともと私は中高と女子美術大学付属の学校に通っていたこともあり、ファインアートが身近にありましでした。でも絵を描くのは下手で、それよりは自分で手を動かして立体を制作するのが好きだということに気づき始めて。将来的に自分が何したいのかなって思った時に、昔、埼玉の川越にあったガラス工房での体験がふと頭をよぎって、ガラスって面白そうだなと改めて思うようになりました」

──そのときのガラス体験で感じたことは？

「吹きガラスを体験できる工房で、体験という割にはきちんとガチでやらせてくれるところでした。私はもともとせっかちなので、熱くて直接触れないし、しかもすぐに形が出来上がるというガラスの性質をすごくいいなって思ったんです。自分が息を吹き込むと目の前でどんどん刻一刻と変化していくという素材に魅力を感じて、自宅から2時間くらいかかるのですが、しばらく通っていました。その後、もっと有名なガラス工房が自宅の近くにあると教えてもらい、そちらに移り、中学、高校の間は、週1、2回のペースで通っていました」

現在の今田莉野生の代表的なシリーズ『Between』

──そう考えると、かなり歴は長いですね。

「その間、自分がうまくなったかどうかは全然わかりませんが、とにかく楽しいからやっていました。小学生の頃から、工作や理科の実験の時間が好きだったので、よくよく考えると、ガラスって結構化学ですよね。そういうところからガラスに繋がっていったのかもしれません。でもガラスは手を動かすだけでなく、口で呼吸するし、全身使うような感覚です。難しいけど本当に楽しかったです。私は飽き性なので、粘土遊びや、ビーズ遊びもやりましたが、大抵いろんなことに手を出してはすぐに飽きてしまっていましたが、ガラスだけは、どんなにやっても、自分の未熟さを思い知らされ、今でもそうですが、ここが足りないから割れたとか、そういうふうに、ずっと何かを教えてくれる素材ではあります」

──その後、ガラスをさらに学ぶにあたって、渡米されたのはどうしてでしょうか。

「自惚れとは違うのですが、このまま大学に進学してそこでガラスをやっても、大学1、2年で学ぶ技術的な部分は既に習得していたので、その場合、どこに行ったらいいんだろうと進路を調べていました。候補にあったのが、富山ガラス造形研究所か、海外へ留学するかという選択肢でした。

思い返せば、女子美で多分デザイン科を選択したほうが良かったんですけど、ファインアートを学んだこともあり、ガラスを工芸やプロダクトではなく、アート的に解釈するほうに進みたいということを考えるようになって。そのタイミングで私が通っていた彩グラススタジオの伊藤けんじ先生が主催で、海外の作家さんを何人か招き、ガラスフェスティバルのようなイベントが開催されました。その時に出会ったアメリカの作家のナンシー・カレンさんに、アメリカでガラスを学ぶことについて相談したところ、作家のキャサリン・グレイさんを紹介していただきました。

それで高校卒業後、一年間、英語を勉強して、キャサリン・グレイさんがいるカリフォルニア州立大学のサンバーナーディーノ校に入学しました」

──ナンシーさんやキャサリンさんの作品に、今田さんが目指す方向性のガラス表現を見出したということですか？

「そうですね。ガラスにこんな世界があるんだと衝撃を受けました。ガラスと言えば、大きくいうと、器や窓ガラスなどが大多数のイメージではありますが、特に吹きガラスだったら器が当たり前でした。それなのに、そのときのナンシーさんは巨大なコマを作ったりしていて、それを見ているうちに、こういうのをやってみたいと思うようになって。紹介していただいたキャサリンさんもいろんなものを作るんですけど、大学に通い始めて、先生を選んでよかったと実感しました。在学中は毎週末、キャサリンさんが吹きガラスをやってたので、お願いして、アシスタントさせてもらっていました」

──キャサリンさんの下で学んだことで、これまでの自分にとってどんな発見があったのでしょうか。

「今思うと、自由にやっていいということを教わったのも重要なんですけど、一番心に残っている言葉があって。当初私は、自分の中の定番として金魚を作るのにハマっていた時期があって、先生にある作家の名前をあげて、『その人みたいにうまくなりたいんです』ということを話したことがありました。すると、『変な目標とするロールモデルを決めてしまうと、その人以上の存在にはなれなくなってしまうから、自分の技術を縛るようなことを口にしてはいけない』というようなことを言われ、それが今でもずしんと響いています」

──金魚という具象的な作品から、今のようなコンセプチュアルな抽象的な作品にシフトしていったきっかけは？

「大学の時にはリアルな大物を作ったりとかしていましたが、それが変わったのはニューヨーク州ロチェスター工科大学の大学院に進んでからです。そこでの先生は概念やコンセプト、言葉を重視するというか、論文など本当に厳しくて。アカデミックで学術的なバックグラウンドをもった上で、作品で何を表現したいのかを自分の言葉で説明できるように、という方針でした」

──感覚的に学ぶというよりも、きちんとロジカルに言葉で説明していくことを求められる環境だったんですね。それによって、自分のものづくりもより明確になっていった、という感じでしょうか。

「それに加えて、ガラスの可能性を拡張するというか、今までそんな方法でガラスを使ったらダメだと思い込んでいた私の中に積み上げられてきた常識を叩き壊すような考え方でした。本当に壊れた状態のガラスが作品だとか、パフォーマンスアートとしてガラスを使って映像作品を作ったりとか、そういうのを見ているうちに、「こうじゃなきゃいけない」というものがだんだん崩れていった感じがあります」

大学院で制作した、水を加えると溶けてしまうガラスを使って制作した写真作品『@i_am____sick, 1.13.2021-3.11.2021』

──そこから、ガラスという素材へのアプローチはどう変わったのでしょうか。

「金魚など具象のものを作っていたときには、ガラスが自分のペルソナのような、仮面のような感じで、自分の弱い部分を動物の形に託して表現するという作風でした。それがペルソナとしてではなく、本当に自分の分身というか、ガラスに自分の思考の一部を取り込み、思考を視覚化する媒介として、ガラスを通して何か表現する、言葉の代わりのような存在というか。さらに、ガラスそのものを使っていなかったとしても、自分のアイデンティティや生い立ち、経験したことを、熱かったら柔らかく、冷たかったら固まるというガラスの性質に重ね合わせて考えてみよう、みたいな。そういう思考の方法を大学院で思い切り吸収して、今の制作スタイルに至っているという感じです」

──自分の中でどういう気づきが？

「ガラスはただの自分を代弁するものとしてだけではなくて、体と連動しているというか。頭の中で考えごとをするのに紙にメモをよく取るのですが、その行為のツールとしてガラスを使うこともできる、という感覚があって。だから本当に、自分の人生の一部として、物体である以前に、ガラスの性質を自分の中にインプットして、それをまた外に出す、みたいな考え方があったのかなと思います。

そこから、ガラスとアイデンティティを組み合わせて、英語と日本語の二つ言語を扱う中で、言葉が自分を変えていく様をガラスで表現するという内容を論文にまとめました。英語では一人称が『I』で固定されているのに対して、日本では私、僕、自分など、言葉のロールプレイングができるというところ、その変化だったりとか、年を重ねるごとに使う言葉も変わっていく。例えば、水を加えると溶けてしまうガラスを使うことで、そのガラスの性質を、人が年齢とともに失っていくものに重ねてみたりとか」

──卒業後、帰国して日本で制作することにしたのは？

「大学院修了後、一年ぐらいアメリカの照明の制作会社で働きました。ガラスを通して見た光や影の変化に面白さを感じて、照明を作るのに興味があったので制作部門に入ったんですけど、働くうちになんか違うなと思いはじめました。でも今につながる効率的に働く方法はそこで学びました。アメリカで自由な文化的なところと、効率的な動き方みたいなものを習得して、一年働いて、日本に帰国したのが2023年の冬です」

──アメリカでの会社勤めで感じた何か違うというのはどんなことだったのでしょう？

「今となったら納得できるんですけど、私の方が技術があっても、この先も長く勤めそうなアメリカ人の男性のほうがポジションが上だったりとか、そういう差別的なものを感じることもあったり。ビザのサポートも難しくなったりして、抑えていた気持ちの反動でもっと制作したいという思いが強くなっていきました。そこで、辞めた後、アメリカのノースカロライナ州のPenland School of Craft やベルギー・ロンメルの GlazenHuis 美術館のアーティストインレジデンシーに参加しました」

──アメリカ社会に揉まれたのですね。

「大学院を卒業してからノンストップで会社に入って、ひたすら頭を働かせながらやってたことに少し疲れてしまったので、休みを取るつもりでしばらく実家に戻って、以前お世話になったガラス工房でアルバイトをしていました。そのときに、ベルギーのアーティストインレジデンシーが決まって。帰国後は、イベントや展覧会などで海外の作家が来日した際や、海外の生徒向けに日本人の先生の通訳としてワークショップを手伝ったりしていました。そんなときに金沢卯辰山工芸工房の募集を知って、そのまま申込み、合格して今に至ります」

陶芸用の転写シートを用いガラスに言葉を貼り付けたのちさらに焼成する。

──そんな辛い思いをしてもガラスが嫌になることはなかったんですね。ベルギーはどうでしたか？

「ガラスが嫌になることは全然なかったです。それまでヨーロッパのガラス文化の背景に触れてこなかったので、ベルギーでの体験は新鮮でした。ヨーロッパはアーティストと作る人が明確に区別されているんです。私みたいにワンオペでやる人は割と珍しい。アーティストはコンセプトを考えて、それを形にするのは職人、というふうに切り離されていました。自分でやりたいことの作業まで全部考えてやっていたら、どれかが立ち行かなくなるんじゃないか、みたいなことを言われたりもしました。でも私にとっては全く逆で、作りながらガラスに記録していく感覚なので、1から10まで順序立ててやっていくことも含めて、思考の中に入っているので、自分で作品を作らなければ意味がないんです。その考え方は衝撃的でしたが、いい学びになりました」

──今は金沢で制作されていますが、そのまま拠点を海外にという発想はなかったのでしょうか。

「旅行や滞在制作など、一定期間ということなら全然行きたいですけど、やっぱり制作の拠点として自分が根を張るのは、今後も多分日本になるのかなと思います。それまでが根なし草でいろんなところに行ってきたので、どこか帰ってこれる自分の居場所を心の中で望んでいる気がします。以前はアメリカにずっと住みたいと思っていたのですが、今は自分のルーツのあるところを拠点に、そこから自由にあちこち飛び回るのが自分のスタイルに合っているのかなと。場所自体はどこでもやっていきたいので、固定された場所というよりは、戻る巣が欲しいという感覚です。昨年から今年の年初に、長崎の五島でリサーチレジデンシーをしましたが、その土地土地でどんどん変化していく自分にとって、環境の変化は重要な要素なので、どこで作るかにルールはありません」

吹き出しを思わせるガラスのオブジェ『つぶやきのかたまり』シリーズ

──アメリカ、ベルギーでの体験を経て、今の作品はどんなコンセプトで制作されているのでしょうか。

「『つぶやきのかたまり』と『Between』を制作したのは、ベルギーでの滞在からです。自分の中にある、なんかモヤモヤしているけど忘れてしまうような言葉とか気持ちに、形と重さを与えてみたらどうなるんだろう、というところから始まっています。表現方法の一つとして吹き出しの形にしています。ランダムな言葉を閉じ込めることで、言葉が自分に与える影響とはどういったものか、ガラスを通して表現したいと考えたのが、『Between』という作品で、シンメトリーなガラスの筒に吹き出しを刺して、その歪みを表現しています」

──そもそもなぜ吹き出しの形に？

「言葉の形として頭の中にパッと浮かんできたのが、吹き出しでした。もともと漫画が好きだったのもあります。それに他者と言葉を共有するという面でも、吹き出しは共通のイメージになりうる、分かりやすいモチーフでもあるので。中に閉じ込めている言葉は、最初は手書きで文字を書いてたんですけど、卯辰山に来てからは、自分の伝えたいことを、作品を見ただけでももう少し伝わるようにしていくことを目標にしています。ですが、手書きだけだと視認性が悪かったので、転写シートという陶芸用のインクで印刷された文字を使って、歪んではいますが読もうと思えば読めるようにしました」

Numero CLOSETにて販売中の今田莉野生の作品。『つぶやきのかたまり』各￥33,000『Between』(Large)￥66,000

──そこで登場する言葉はどういう言葉なんですか。

「頭の中でずっと巡っている言葉だったり、繰り返し響いてくる言葉です。それを印刷して使ったり、並行して手書きでその時々に思う言葉をメモみたいにランダムに綴って、その瞬間に生まれた言葉を保存しています」

──ガラスの中の言葉は、歪んでるから読めるものもあれば、読めなかったりもするみたいな曖昧さがありますね。

「見えるところと見えないところ、その曖昧さにもずっと興味がありました。鏡文字になっていて、結局読めないとか、でもなんか読めそうとか。作品を見てくださる方がしっかり読もうとしてくださっているのを見て、この作品自体がコミュニケーションの一種だと感じています」

Numero CLOSETで今田莉野生の作品をみる

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ISSEY MIYAKE（イッセイ ミヤケ）で企画に携わる傍ら、スープを探求するデザイナーの遠山夏未がディレクターを務める展覧会が開催中。スープを手がかりに、衣食住と身体の関係を見つめ直す企画展「スープはいのち」は、東京・六本木の21_21 DESIGN SIGHTギャラリー1＆2にて、2026年8月9日（日）まで。

デザイナーの遠山夏未は、ISSEY MIYAKEで衣服のデザインを担う一方、「スープ」に着目し、探求を深めながら実践を重ねてきた。命を守り育む基本的な営みとしての衣食住を、いずれも身体の外側と内側から「身体を包む行為」として捉えてきたからだという。そんな遠山がディレクションを手がける異色の本展「スープはいのち」は、スープを入り口に衣食住の根源をあらためて見つめ直す試みだ。

見どころの一つは、0.9パーセントの塩分濃度の水で満たした器と、天井から垂らした蚕の糸で構成される作品『はじまりのスープ』。本作について遠山は、「羊水の塩分濃度は、人が『おいしい』と感じるスープと同じ0.9パーセント。うま味成分であるグルタミン酸も豊富に含まれています。つまり私たちは、お腹の中にいるときから、すでに“おいしいスープに包まれていた”のです」と語り、胎内の記憶を想起させる没入型のインスタレーションであると説明する。

さらに、3人の映像作家によるインスタレーションにもご注目を。映像作家の岡本憲昭が陶芸家・二階堂明弘の野焼きの器を通してスープの原初的な風景を捉えた作品や、サウンドデザイナーの岡篤郎が陶芸家・木村肇の器を用いた作品、野菜がスープやテキスタイルへと変化する過程を映した映像作家・林響太朗の作品を展示。加えて、絵本作家でありアーティストの田島征三による本展のための描き下ろしのイラストや、料理研究家・辰巳芳子の言葉なども奥行きを添える。

スープから広がる衣食住の風景を、ぜひ五感で味わってみて。

※掲載情報は4月16日時点のものです。
開館日や時間など最新情報は公式サイトをチェックしてください。

企画展「スープはいのち」
会期／2026年3月27日（金）〜8月9日（日）
会場／21_21 DESIGN SIGHTギャラリー1＆2
住所／東京都港区赤坂9-7-6 東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデン
料金／一般 1600円、大学生 800円、高校生 500円、中学生以下 無料
時間／13:00〜18:00
休館／火曜日（但し、5月5日は開館）
TEL／03-3475-2121
URL／www.2121designsight.jp/program/soup/

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活況を呈する日本のアートシーンで、いま注目のアーティストを紹介する連載。第8回は、音楽と映像を組み合わせたキッチュな世界観で独自のストーリーを紡ぐ現代美術家の笹岡由梨子。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2026年5月号掲載）

実写の身体パーツにローテクなCG合成、自作の歌。現代美術家の笹岡由梨子が生み出す作品は、奇妙ながらもどこか懐かしい。圧倒的なエネルギーを放つこの作風の起点にあるのは、笹岡のルーツである油絵だ。彼女はその思考を「絵画的な思考で映像を作る」と表現する。その制作過程では、一見関係なさそうでも妙に気になるモノやコトを、クレヨンや水性絵の具でドローイングして壁に貼り、マインドマップのようにつないでいく。

「モチーフから連想したものを数珠つなぎ的に描くことで、そこに星座のような意味性を見出し、作品へのイメージが成長していきます」。キャラクターや動植物、装飾が施された単語やフレーズまで、ボードには彼女の宇宙のような頭の中が少しずつ具現化されていく。特に多く登場するモチーフは体のパーツだ。「映像は時間芸術であり、同じく自分の身体にも時間性があります。作品で身体を扱うことは、『重奏的』に時間を取り扱っている感覚です」と笹岡は語る。

《Working Pig》（2026）。ブタの体に笹岡の体のパーツを当て込むことで、人と動物の境界を問う。

そこにさらなるパワーを与えるのが音楽だ。自作の歌詞をメロディーに乗せ、ただでさえ強烈な視覚情報をさらに聴覚で補強する。映像にあえて残された編集のバグやノイズは、キャンバス上の荒々しい筆致にも似て、洗練された現代の映像にはない生々しいリアリティを突きつける。言葉、音楽、絵画的映像──それらが多層的に積み上がった笹岡の作品は、一度観たら忘れられないインパクトとなって、観る者に迫ってくるのだ。

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森山大道の個展「ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK」が、東京・銀座のAkio Nagasawa Gallery Ginzaで開催。会期は、2026年4月8日（水）〜5月30日（土）まで。

今年の「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」（※1）でも大型展示が行われ、ますます注目が高まる写真界の伝説・森山大道。本展では、1971年のニューヨークを舞台にした写真集から作品を紹介する。

（※1） 「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭　森山大道 A Retrospective」

本展のタイトル「ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK」は、74年に開催された「森山大道プリンティング・ショー」で制作されたセルフパブリッシングの写真集『ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK』に由来する。このプリンティング・ショーは、71年に森山がニューヨーク滞在中に撮影したプリントをコピーし、その場で製本して即売するという、現代でいう“ZINE”のような形式で行われた。当時としては極めて実験的なプロジェクトで、 “幻のコピーブック”として知られ、写真集史においても特異な存在となっている。

2013年には Akio Nagasawa Publishingより同名写真集の復刻版が刊行され、さらに25年には、このプリンティング・ショーの精神を現代に発展させた企画として、ニューヨークのギャラリーにて来場者がプリントをコピーし、その場で製本して写真集を制作する参加型ワークショップが開催された。

本展では、この『ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK』シリーズよりオリジナルプリントを展示する。また、本展開催にあわせてAkio Nagasawa Publishingより刊行された『ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK』（新装版）も販売。本書には、オリジナル版には収録されていなかったコンタクトシートが多数追加されている。

展覧会と写真集を通して、森山大道が捉えた“1971年のニューヨーク”を、この機会にぜひ体感してみよう。

※掲載情報は4月15日時点のものです。
開館日時など最新情報は公式サイトをご確認ください。

「ANOTHER COUNTRY IN NEW YORK」
会期／2026年4月8日（水）〜5月30日（土）
会場／Akio Nagasawa Gallery Ginza
住所／東京都中央区銀座4-9-5銀昭ビル6F
開館時間／火〜土 11:00〜19:00
※土の13:00〜14:00はクローズ
休館日／日、月、祝、4月29日（水・祝）〜5月6日（水・祝）
URL／https://www.akionagasawa.com/jp/exhibition/another-country-in-new-york/

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エディター、キュレーター、フォトグラファーであるティム・バーバーが、2005年に設立し、2011年まで運営していた伝説的オンラインギャラリープラットフォーム「tinyvices.com」の20周年を記念した展覧会を、SO1（東京・神宮前）にて開催。ティム・バーバー、ライアン・マッギンレー、ピーター・サザーランドらの作品が公開される。4月19日（日）まで。

人気の作家や新進気鋭のアーティストなど、通算600名以上の作家、フォトグラファーの作品が世界中から集まるプラットフォームとして知られ、現在もtinyvicesarchive.com としてアーカイブの閲覧が可能な、オンラインギャラリープラットフォーム「tinyvices.com」。20周年を記念した展覧会が、2025年にニューヨークで行われ、今回日本ツアーとして東京（SO1）、京都（Urban Research Kyoto、 4月17日〜5月6日）での開催となった。

今では世界的な知名度を誇るアーティストから、まだ日本では作品が展示されたことのない作家のアートワークまで、多種多様な作品が展示される本展。ティム・バーバーが得意とするコラージュウォールをフォーカルポイントに展開し、一部作品は購入も可能だ。

tinyvices.comが記録した20年の軌跡を辿る貴重な機会。ぜひお見逃しなく。

「TINYVICES ARCHIVE 20 YEAR ANNIVERSARY EXHIBITION」
会期／2026年4月11日（土）〜4月 19日（日）
会場／SO1
住所／東京都渋谷区神宮前6-14-15
時間／12:00〜19:00
URL／www.instagram.com/so1

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作品が置かれる現場で一貫してストライプを展開するなど、美術界に新風を吹き込み、60年以上にわたるキャリアの中で美術とそれを枠組み化する構造との関係性を生み出してきたダニエル・ビュレン。精力的な活動を続ける現在、日本での新作が東京・谷中のSCAI THE BATHHOUSEにて公開中だ。

1960年代以降、60年以上にわたる活動を展開し、コンセプチュアル・アートの地平を切り拓いてきたダニエル・ビュレン。「ゼロ度の絵画」と名付けた8.7cm幅の白とカラーのストライプ柄は、パレ・ロワイヤル中庭に設置され論議を巻き起こした『Les Deux Plateau（二つの台地）』（通称「ビュレンの円柱」）をはじめ、場の構造をサイト・スペシフィックな作品、およびパブリック・プロジェクトの基軸ともなり、現在も世界中で展開され続けている。

Photo-souvenir : L’Observatoire de la Lumière, travail in situ, Fondation Vuitton, Paris, 2016. Détail ©DB-ADAGP Paris

本展では、6点におよぶビュレンの新作『Prismes et mirroirs : Haut-relief（プリズムと鏡 :高浮き彫り）』が公開。インダストリアル・カラー・パレットからランダムに選ばれた色彩が“、「Prisme」と作家が呼ぶ凸状の形態に塗布され、鏡面様の支持体の上に配置されている。作品が置かれる環境と作品との関わりについて考察を続けているビュレンの、「光」や「反射」への深いアプローチとも言えるだろう。なお代名詞的なストライプ柄は三角のPrismeの側面に表現。布、キャンバス、ポスターと媒体を変えながらも、決して変わることのないビュランの視覚言語であると同時に、与えられた場所ごとに無数のバリエーションを生み続けるという、矛盾と思索に満ちた実践の軸を感じさせる。

SCAI THE BATHHOUSEの建築や、高い天井から差し込む自然光の移り変わりといった環境の諸要素が作品と共鳴する様にも注目だ。半世紀以上におよぶ実践を持続させる「我々は何を見ているのか」という問いが、ビュレンの作品とともにポスト・トゥルースの時代にある今日、より一層の時宜を得て真価を発揮する機会となりそうだ。

ダニエル・ビュレン「Third Eye, situated works – 知覚の拡張－そこにある眼差し」
会期／2026年3月17日（火）〜2026年5月9日（土）
会場／SCAI THE BATHHOUSE
住所／東京都台東区谷中6-1-23
時間／12:00〜18:00
料金／日・月・祝日休廊
URL／www.scaithebathhouse.com

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2007年から続く、アーティスト・飯川雄大の人気作品シリーズ「デコレータークラブ」の新作展が、現在、複数の会場で同時期開催されている。「デコレータークラブ：重いバッグの中身」は、東京・天王洲のKOTARO NUKAGA（天王洲）およびKOTARO NUKAGA Threeにて、2026年5月23日（土）まで。

アーティストの飯川雄大は、代表作の「デコレータークラブ」シリーズで知られる。全貌をつかむことができない「ピンクの猫の小林さん」や、重いバッグを鑑賞者が運ぶ「新しい観客」、壁のように見える構造物が別の空間へとつながるインスタレーション「配置・調整・周遊」などからなる同シリーズをはじめ、その場で思いがけない変化を見せることで鑑賞者の思考を誘う飯川の作品は、さまざまな美術館やアートプロジェクトで発表され、その評価を積み上げてきた。

本展『デコレータークラブ：重いバッグの中身』では、観客の関わりによって思いがけない“風景”を生み出す大規模なインスタレーション作品を展示。飯川にとっては初となるKOTARO NUKAGA（天王洲）とKOTARO NUKAGA Threeでの開催であり、同会場にどのような風景が立ち現れるのか、関心は尽きない。

さらに本展は、茨城・水戸の水戸芸術館現代美術ギャラリーで開催中の個展「飯川雄大　大事なことは何かを見つけたとき」（※1）をはじめ、横浜のArt Center NEW、東京・市ヶ谷のgallery αMと連動し、鑑賞者が複数の会場を行き来する試みとして実施。美術館やギャラリーの枠組みを越え、作品のあり方と鑑賞方法を問い直す。

ぜひ複数の会場を行き来して、「デコレータークラブ」の魅力を堪能してみてはいかが。

（※1）参考記事：「飯川雄大　大事なことは何かを見つけたとき」　とにかく訪れてほしい水戸芸へ。

※掲載情報は4月11日時点のものです。
開館日や時間など最新情報は公式サイトをチェックしてください。

飯川雄大「デコレータークラブ: 重いバッグの中身」
会期／2026年4月4日（土）〜5月23日（土）

会場1／KOTARO NUKAGA
住所／東京都品川区東品川1-32-8 TERRADA Art Complex II 1F

会場2／KOTARO NUKAGA Three
住所／東京都品川区東品川1-33-10 TERRADA Art Complex I 3F

料金／無料
時間／11:30〜18:00
休館／日・月曜日、祝日、4月26日（日）〜5月6日（水）
問い合わせ／kotaronukaga.com/contact/
URL／kotaronukaga.com/exhibition/takehiro_iikawa_solo_exhibition/

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泡のようなガラスが呼吸しながら増殖していく。「生命」をテーマに据える、ガラス彫刻作家、寺澤季恵の作品は、艶のあるガラスと錆の浮いた金属という異素材の調和が、忘れがたい存在感と美しさを漂わす。ガラスという素材でどのように作品へと昇華させていくのか。石川県金沢市のアトリエにて、濃密なコンセプトや素材選びの意外な動機を聞いた。

──心臓をモチーフとした代表作『Heart Beat』シリーズの着想源は？

「呼気で膨らむガラスの動きが自分の心臓、身体とつながっているように感じたことがインスピレーションになっています。そこから徐々に朽ちていく、腐りかけた果実の様子に重ね、生命には終わりがあることを表現しています」

──一見、ブドウのようですが、よく見ると生々しさを感じます。純粋な美しさとグロテスク（奇妙な美しさ）が紙一重のような印象を受けました。

「粒や網目といった細かい集合体が多いので、人によっては苦手とされるように思います。血管や心臓といった生々しいものを題材にし、捉え方によってはグロテスクかもしれないし、死や腐敗はマイナスのイメージですが、ガラスという素材自体の美しさによって、そういった題材からも美を見出せるのではないかと考えました」

──1月に東京・Art+Craft Gallery蚕室で開催された個展では、白い作品も発表されていました。何を象徴しているのでしょうか。

「白い心臓の中には赤い核があります。赤い心臓が心臓そのものだとすれば、白い心臓は魂や精神といったものを象徴しています。吹いて膨らませるという行為を繰り返す中で、日常の繰り返しとリンクして、祈りのようなものを感じるようになりました。さらに発展させていくつもりですが、精神のように、形のないものの形を模索していきたいと思っています」

──炎のようにも見える作品のタイトルは「果実」ですが、どんなイメージですか、。

「実在していない空想の果実です。吹きガラスで面白い表現が見つかったと思ってつくりました。この作品を購入いただいた方の一人が、『仏壇に飾る』とおっしゃっていました。生の花だといつか枯れてしまうので、枯れない花ということで置いていただいたのです。その方は、『果実』のモチーフが生命であることはご存じなかったと思うのですが、良い意味で作品が一人歩きすることもあるのだなと感じています」

──どうやってこの表現に行き着いたのでしょう。

「多摩美術大学を卒業した後、ガラスを突き詰めたいという気持ちから富山ガラス造形研究所に入り、そこでコンセプトを固めることに時間を使うようになりました。『自己の存在理由』といった哲学的な命題を追い求めるようになり、そんな思考の中で『生命』というテーマが生まれたのだと思います。心臓の作品を構成しているような赤い泡は、ガラスを始めた時から作っていましたが、作品が本格的に変わったのは、金工ワークショップに参加したのをきっかけに金属を使いはじめた頃です。金属はガラスよりも素直だなと感じ、その違いに魅力を感じました」

──作品の中で金属の役割は？

「もともと廃墟が好きで、剥き出しの配管や錆びた鉄パイプなどの朽ちているイメージをカッコいいと思っていました。それに身体の血液の中には鉄分があり、地中にも水道管などが血管のように埋まっているなど、金属がどこかしら生命のイメージと結びついていることに気づいたのです」

──元々、もの作りには興味があったのでしょうか。

「高校ではデザイン科でしたが、デザインはやっぱりプロダクトなので、作品がどこかの時点で自分の手から離れてしまう。作るなら全て自分で完結させられるものがいいなと思ったこともあり、伝統工芸に興味を持つようになりました。最初は漆がやりたかったのですが、大学の工芸学科で学ぶうちに、ガラスの身体性に惹かれるようになったんです」

──寺澤さんの考えるガラスの身体性とは？

「息で膨らむ吹きガラスなど、作り手の動きに反応する点で、ガラスには身体性があるように感じました。私は昔から柔道や競技一輪車など、スポーツや身体表現をしてきたので、身体の動きに反応して瞬発的なアプローチができるガラスが合っているのだと感じました。漆に比べてスピード感があるのも良かったんでしょうね」

──面白いですね。ご自分の中で伝統工芸とガラスは結びつきましたか。

「そこは結びつかなかったですね。多摩美に入学してガラスを専攻してからは、伝統工芸よりもコンテンポラリーアートの方が自由に創作できるな、と思うようになりました」

──多摩美を卒業後、富山ガラス造形研究所へ入所し、その後、卯辰山工芸工房に入られましたが、どういった学びがありましたか。

「ガラスを扱っていると、ガラスがきれいだということを見失いがちだと気づきました。技巧にばかり目がいったり、ガラスらしくないものをつくる中で、ついガラスの美しさを忘れてしまうのです。工房でいろいろなことに挑戦する中で、ガラスをやりたい気持ちが更に大きくなりました。他の工芸を学ぶ中で、ガラスの性質は自分のつくりたいものを実現させてくれることを実感したのです」

──ガラスで制作する上での気づきはありましたか。

「加工する時のガラスは熱くて、陶芸の粘土や木彫の木材などとは違って触れません。コントロールの効かない部分がありますし、熱を帯びている時は、まるで別の生命体のように見えます。ただ私は、コントロールできない部分に惹かれています。私にとっては不自由な素材の方が作りやすく、ままならないガラスの声を聞き、ガラスが『なりたがっている』形と対話するのが楽しい。今の作風に近づいたのは、そのことに気づいてからだと思います。これからもガラスの有限性の中で可能性を追求したいと思います」

──ガラスと対話できるようになったのですね。

「はい。もともと絵を描くなど、手を動かすことが好きだったので、ガラスの技術を教わりながら手を動かしていくことで、素材と対話して共鳴できるようになったのだと思います」

──設計図やラフなどを描いて制作していくのでしょうか。

「一応描くのですが、想定通りになることはないですね。例えばオブジェなどは、ガラスのパーツを生け花のように組み合わせてつくります。バランスを意識してはいますが、それよりも感覚を重視していて狙ってつくるわけではなく、偶発性に任せて創作しています」

Numero CLOSETにて販売中の寺澤季恵の作品。左上から時計回り：ガラス彫刻オブジェ「Heart Beat」￥70,000 ガラス彫刻オブジェ「いちご」各¥22,000 足付きグラス￥20,000〜22,000 ぐい呑みグラス￥14,300

──寺澤さんが作る器は独特の造形です。オブジェを制作するのとどう意識は違いますか。

「器はプロダクトデザインですし、使う人のことが頭に浮かびます。もともと吹きガラスは器のために生まれたのだと思いますし、器をつくるのは好きでなので、グラスも使える彫刻という感覚でつくっています。でも一方では、器でも『何かしたい』という気持ちがあるので、個性のある作品を制作していきたいですね」

玄趣庵-レントゲンヴェルケにて開催された寺澤季恵個展の展示。

──これからどんな作品を作り、どんなことに挑戦したいですか。

「いろいろあるのですが、西洋美術において生の儚さの寓意であるヴァニタス画（16〜17世紀の髑髏、朽ちる花などをモチーフにした静物画）からインスパイアされた新作なども考えています。最近は小さいものをつくっていたので、大きめサイズのものを作りたいですね。1月に東京都調布市の深大寺北町にある数寄屋造りの玄趣庵に展示していたのですが、自分の作品が和室の空間の力に負けておらず、ホワイトキューブでない場所にあっても大丈夫なんだと実感しました。今後は空間と対話した作品もつくってみたいと思っています。でも『生命』をテーマにして作品をつくることには変わらないでしょうね」

Numero CLOSETで寺澤季恵の作品をみる

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モチーフを構成し写真に撮影し、プリントやコラージュを通し、それを参照しながらキャンバスに描く。多層的なプロセスによって、相反する概念や曖昧な領域を共存させ、「世界は二項ではなく、その間に存在する」という視点を探究し続ける現代アーティスト・薄久保香。京都のアトリエを拠点にする彼女の制作背景と思想に迫った。

──制作はどのように始まるのでしょうか。

「私の場合、モチーフを構成して写真に撮る作業が、いわゆる紙にペンや筆で描くようなドローイングに近い作業なんです。写真やモチーフを切り取り、スクラップブックのように再構成する作業から始まります。自身で撮影した画像、他者から託されたもの、デジタル素材など、出自の異なるイメージが混在しています。構成するモチーフは、それぞれに大きく関係があるのではなく、目に見えるほどではない微妙なずれと違和感があるものです。それらは、わずかな違和や余白を孕んだまま、再び別の像へと変化していく。その曖昧さが、私にとっては重要な視点です。

また、写真のような過去を呼び戻す行為は、同時に未来を書き換えているのかもしれません。つまり時間は、時計の針のような直線ではなく、層状で、ねじれながら進んでいる。ひとつのモチーフは断片のように、単独で完結せず、別の像とつながる瞬間に、まったく異なる意味が生まれると感じます。『Third Path』は、そんなテーマでつくった作品で、過去のスクラップブックの面に新しい写真を乗せて撮影し、描いた作品です。新しいモチーフが追加されるたび、過去の解釈が変わっていく。つまり作品は完成に向かうのではなく、更新され続けている状態なんです。だからスクラップブックは時系列もバラバラで、最近は過去に貼ったものの上に新たに貼ったりしています」

──描かれるモチーフひとつひとつは、薄久保さんの中では何か関連づけられているのでしょうか。

「ロジカルに意味を見つけている場合もありますが、直感や導きを大切にしています。たとえばこれは知人の大事な指輪を撮影させてもらった写真なのですが、この場所に置くのはダメ、というルールもありません。関係性を注意深く見ながら、新しい可能性が生まれそうなものを探すような感じです」

──他者のものをモチーフにすることも、偶然性を誘発する装置の一つなのでしょうか。そうしたことに着目された作品について教えてください。

「『東京ビエンナーレ2023』の際、東京・丸の内で働く女性たちにインタビューしてつくったシリーズ作品『She is　”Your Alter Ego Found Right Next to You』では、インタビューさせて頂いた方々が長年愛用しているものや、大事にしているものをお借りして構成し、制作しました。普段裁縫で使われている指抜きを貸してくださる方、留学の際に決意表明として買った指輪を貸してくださる方がいて、どちらも指にまつわるものなので、自然とこのふたつのモチーフが交わりました。主題を考えている時には見つからなかった関係性を、モチーフを照らし合わせることで見出せるのが面白い点でした。そういえば、インタビューの途中で印象的な場面にも遭遇しました。ある方が、前世の記憶について話してくれたんです。それは、一対一の静かな時間だったからこそ、言葉にできたのかもしれません。その瞬間、人と人の関係性もまた、断片が重なり新しい像をつくるコラージュのようだと感じました」

──そういったさまざまな話から、薄久保さんが感じたものを掬い上げ、作品にしていくのですね。

「二次創作的とも言えると思います。物語があるようで、しかし明示されているわけではない。その曖昧さが、作品にもう一つの層を与えてくれます。この絵は最終的にプリントされ、有楽町の壁画になりました。そして今、私はその光景をスマホの画面でお見せしていますが、これは“新しい画中画”であると捉えています。つまり、絵の中に絵を描き、それをプリントし、壁に貼り、最後には誰かがそれを撮影してSNSにアップするまでを想定して制作しました。そして、そのプロセスそのものが、イメージを媒介し、形を変え続ける現代の視覚環境と重なると考えています。
いま、こうして対面している状況はリアルだと認識できますが、SNS上で見たことも別のフェーズの現実と言えます。さらにAIによる生成が高度化するほど、リアリティの所在はますます曖昧になっている。この作品を通じて、どの段階にあなたの『現実』が存在するの？そんな対話が生まれたら良いなと思います」

──そうしたアプローチはどのように発想しましたか。

「一つの箱を開けるともう一つの箱が入っている入れ子箱ってありますよね。箱の中に具体的な『もの』が入っているのかと思って期待してあけてみるけど、また箱が無限に続いている。それをイメージで表現するのではなく、構造で表現したいと思っていたので、絵が写真に撮られて、SNSにアップされることまで想定して制作しました。『これは本物の絵なのか』『プリントなのか』など、勘違いや誤読が起きるのもいいなと」

《Pictorial Poem》（2024年 油彩／パネル 42x31.8cm）

左：《Esquis about Olga》（2024年 油彩／パネル 80.3×80.3cm）右：《pictrial poem》撮影した写真は紙にプリントし、見ながら描くという薄久保さん。絵が完成する一方、プリントは古くなっていく。そうしてボロボロになった紙をオブジェに見立て、反比例した状況を描いた。

──構成していく中で、モチーフの色を意図的に変更することもありますか。

「この《pictrial poem》で描いたチューリップは、もともと白色でしたが、制作の途中で黄色へと変えました。色には、社会的・歴史的な象徴や意味が付随することがありますが、このときの選択は意図的なものではなく、より直感的な判断でした。しかし、後に鑑賞者との対話を通じて、色が時代や空気感に反応し、無意識のレベルで選択に影響を与えている可能性があることに気づかされました。それは、私の身体や感覚が、言語化される前の層で世界と呼応しているという感覚に近いものでした。

ただ、色やモチーフに明確な意図を与えたり、鑑賞者の解釈を限定したりするつもりはありません。抽象的なイメージから複数の解釈が立ち上がり、時に誤読が生まれ、意図とは異なる方向へ解釈が波及していく。その状態こそ、作品にとって開かれた、豊かなあり方だと感じています」

左：子どもの頃に描いたという絵。右：アトリエの机に置かれた紙コップと足指セパレーターも作品のモチーフへと変換される。

──普段から意識してモチーフとなりそうなものを見ているのでしょうか。

「意識というレベルではないところで見ているんでしょうね。画家は、『視る仕事』だと思っているから。美しい、かわいいものには、誰でも目がいくし、見ようとする。でも私は、ものすごく立派なものや、価値のあるものじゃないものを作品にしようとしているので、つまらなさそうなところにこそ何かあるんじゃないかな、という目では視ていると思います。何もなさそうなところに楽しみを見つける感覚みたいに」

──ものの見方に薄久保さんならではの視点が垣間見え、面白いです。

「今、アーティストだけでなく起業家や、様々な職業の方がアートリテラシーを学んで、それをどう社会に還元できるのかについて話されていますよね。ものの見方を変えていくことで有益な話につなげることっていくらでもできますし、私もそうした話をさせていただく機会もあります。ただ私としては、その以前にある、もっとやわらかい部分に興味があります。役立つことだけを求め始めると、表現は途端に硬くなり、面白さや自由が失われてしまう。アートの魅力は、むしろ意味を問われない場所、目的から解放された余白に宿るものだと思っています。先ほどの箱の話と同じで、もしかするとあけてもためになるものはなにもないかもしれない。でも、あける時ってワクワクしますよね。私にとっての絵はそのような箱の中に箱がある構造と一緒で、箱をあける時の期待のうほうに価値を抱いています」

《Forgotten Verses 柚子と酢橘》（2025年 油彩／キャンバス 100×100cm）モチーフを自ら選ばないことをルールに構成した作品。印象的なフラワーベースは大学の学生がお土産にくれたもの。周囲に配置された柚子やすだちは、海外ゲストが来日の際にホテルに忘れてしまったものだそう。「西洋絵画でよく描かれるオレンジに似ていながら、柚子やすだちは主役になったことがない。『忘れ物』というエピソードもふくめ、かわいいモチーフだと思いました」

──薄久保さんは大学でも教鞭を取られていますが、現在の教育現場をはじめ社会のさまざまな面で有益であることが求められているような気がします。

「現代はものごとのスピードが何事速いですよね。私の作品では、むしろ『時間をどうやって遅らせられるのか？』が重要です。イメージを共有したいだけだったら、わざわざキャンバスを張って絵の具と筆で描くほど非効率なことはないわけじゃないですか。本当は描かなくてもいいかもしれないものを、でもやっぱり描く。モチーフを組んで、写真に撮って、描くというふうにレイヤーをつくってさらにまた時間をかける。そのプロセスには、『どこまで時間を遅くできるか』という願望がつねに内包されています。昨今は、多くの人にとってインスタントな有益さから逃れることの方がが、寧ろ心身に必要なことかもしれませんね」

薄久保香＋大庭大介 二人展「第三の径」イムラアートギャラリー（京都）の展示（2025年10月）

──パートナーの大庭大介さんもアーティストです。2025年10月にimura art gallery（京都）で二人展「第三の径」を開催されましたね。

「お互い東京や海外で発表することが多いのですが、制作拠点は京都にあります。だからこそ、京都で展示を行うことには自然さと必然性があると感じていました。もともと、別々の活動をしながら『絵画計画』というユニットを時々組んでいます。二人展としては2020年のベルリンが最初で、日本のギャラリーでは今回が初めてです。互いの作品を深く理解している一方で、正式に展覧会として並べる機会は意外と少ない。その距離感が、今回の二人展をより深い意味レベルへと導いてくれたように感じています。

私も大庭も異なるスタイルの作品で、大庭は、抽象絵画の領域で素材や技法を探りながら、新しい表現の可能性を追求しています。一方、私はイメージを媒介にしながら、抽象的な概念や曖昧さを『描く』という行為を通して具体化することに関心があります。異なるアプローチで制作していますが、その興味の核は通底していて、サイクルの流れの中で交差するポイントがあります。なので、ふたりの作品が共存することで絵画の歴史や方法論を横断し、その幅や可能性を検証できるのではないかと考えていました」

薄久保香＋大庭大介 二人展「第三の径」イムラアートギャラリー（京都）の展示（2025年10月）

──お互いに発見はありますか。

「自分の中では自然の流れのようにできたことであっても、お互いがいなければ見落としていることもあると思います。今回の展示では、私の作品を出発点に、まるでマイクリレーのように互いの作品が枝分かれするように展開していきました。通常、作家同士が制作の途中段階を共有することは多くないかもしれませんが、私たちは日常的に、ほぼ隣り合う空間で制作しています。そのため、お互いの進行状況や迷い、発見や違和感が、言葉にしなくてもどこかで交換されているような感覚がありますね。そして即座に本音で意見を交わせる関係だからこそ、その対話や沈黙までもが、作品に反映されていきました。そうした制作の呼吸が、展示全体に一つのリズムとして流れ込んだのだと思います」

薄久保香＋大庭大介 二人展「第三の径」イムラアートギャラリー（京都）の展示（2025年10月）

──おふたりの関係性ゆえにできることですね。大庭さんは、おふたりが日常の中で関心を寄せているのは、白か黒かではなく、そのあいだに存在する無数のグラデーションであり、そこに思考が動き出す余地があるのではないかとおっしゃっていました。

「社会的な視点で読み取る人もいれば、絵画のフォーマリズムとして受け取る人もいる。その複数の読みが並行して存在しうることが、作品にとって重要だと感じています。私たちは、日常的に政治や社会の出来事について話すことがあります。でもアーティストとしては、それを直接的に提示するのではなく、抽象化された状態で作品に委ね、鑑賞者が自分の解釈に辿りつける余地を残したいと思っています。私も大庭も、そこにこそ信じられる何かがあると感じています。世界をひとつの正解で語れない時代だからこそ、揺らぎや曖昧さを抱えたまま思考できる領域が必要なのだと思います。多分これが『絵』なのでしょうね」

1階のアトリエの壁に貼られたインスピレーションソースや創作メモの数々。

──最後に、薄久保さんの「描きたい」という気持ちを裏付けるものは何でしょう。

「結局のところ、描くことが好きだからだと思います。これだけはとても明確です。キャンバスの種類や絵の具の重ね方、ほんのわずかな筆の動きによって、画面の表情が変わっていく。そんな当たり前のことを、身体を通して感じられることそのものが、最近はますます面白く感じるようになりました。扱う素材の僅かな違いによって、手の動きも自然と変わり、また新しい絵との関係性を生み、その予測できない変化が、とても興味深いんです。『好き』は衝動ですが、『描き続けること』は対話であり、commitment（責任）と愛に近いもので、孤独な制作ロマンとは全く違う性質のものだと感じています。時間をかけて描き続けるには、作品と向き合い続けなければいけない。ときには戸惑いながら、許容し、受け入れていくプロセスが必要になります。

1階のアトリエにて

それは、私が学生たちと向き合っているときにも感じることです。迷いながら、自分の制作と距離を測り、進んだり戻ったりしながら、それでも手を止めない。その時間を一緒に過ごす中で、他者の心や頭が拡張された自分として重なるような感覚になる瞬間がある。描くことは正解に辿り着くためではなく、自分の速度で世界とつながり直すことなのだと改めて思う今日この頃です。出来事とは、枝に降り立つ鳥のようなものかもしれません。来るかどうかも、いつ離れるのかも、こちらには選べない。それでも、その未完のまま続いていく関係をそっと信じたいと思っています」

薄久保香の作品をNumeroCLOSETでみる

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人種やジェンダー、文化に規範、さまざまな特性に至るまで。私たちに付された重荷や名札に光を当て、気づきを導く力がアートにはある。5人のアーティストが描き出す、“女性と解放”それぞれのヴィジョン。（『Numero TOKYO（ヌメロ・トウキョウ）』2026年4月号掲載）

──あなたが目指す解放とは？
「不自由さのなかでもしなやかに呼吸して、表現し続けること」

女性の顔を覆うように茂る植物や、くりぬかれた顔の先に広がる、見知らぬ風景。榎本マリコの描く肖像画は表情が窺（うかが）えず、非日常を描いたように見えるかもしれない。しかし、人間のうちにこびりついた思い込みや無意識、周縁化される人々の姿、それらを生み出す社会構造へと問いかけ、現在を生きる私たちに多くの示唆を与えてくれる。そんな榎本が今、描くことで解放したいのはどんなことだろうか。

「母として、女としてなど、自分自身が『呪い』として当てはめているあらゆる役割かもしれません。ただその役割を解き放つのではなく、すべての役割のなかでも呼吸して、描く。いつだってその『呪い』をも飲み込むような、大きな何かを生み出したくて描いています」

榎本マリコ
1982年、埼玉県生まれ。ファッションを学んだのち、独学で絵を描き始める。近年では顔のないポートレイト作品を中心に、神話や物語、詩、娘を起点にした油彩を発表。チョ・ナムジュ著『82年生まれ、キム・ジヨン』の装画や川上未映子著『黄色い家』新聞連載の挿画など、多くの文芸作品や演劇、映画のヴィジュアルを手がける。3月25日（水）までグループ展「불온유희 不穏遊戯」（Gallery MEME、ソウル）に参加。作品集に『空と花とメランコリー』（芸術新聞社）がある。
www.mrkenmt.com/

──あなたが目指す解放とは？
「自分の中のクィアな属性をもっと表現していきたい」

『Whispers of Defiance 1』2025年

原発問題やフェミニズムなど、日本の社会政治状況を批判的に捉えた作品を発表する山本れいら。『Whispers of Defiance（抵抗のささやき）』は、子を産み育てる将来を求められてきた家父長的な文脈から少女の表象を取り戻そうとする絵画シリーズだ。戦前の女学校で用いられた家庭科教科書の挿絵や、近代西洋絵画の母子像といった規範的な図像に、少女マンガ／アニメの少女像が背景を無視して重ねられている。

「歴史的に無垢や従順さと結びつけられてきた『少女らしさ』『かわいさ』。それらを支配に回収されない、一人一人をエンパワーするための表現として再定義したい」と山本。少女表象が持つ「かわいさ」は新たな抵抗の術となり得るのか——探求は続く。

山本れいら
1995年、東京都生まれ。アメリカ・シカゴ美術館附属美術大学で現代アートを学び、フェミニズムやポストコロニアリズムの視座から日本の社会や政治的状況を批判的に捉えた作品を制作する。2025年からアーティストの小宮りさ麻吏奈とともにアニメやマンガ表象をフェミニズムやクィア的な視点で問い直すプロジェクト「Beyond Flat」を始動し、第二弾となるグループ展をBONDED GALLERY（東京・天王洲）にて開催（5月23日（土）〜6月20日（土））。
@layla_yamamoto

──あなたが目指す解放とは？
「上下左右という規範、世界や社会の構図を回転させること」

『tree of life #017 and tree of life #018』2025年 © Mari Katayama, courtesy of Mari Katayama Studio and Galerie Suzanne Tarasieve, Paris, Yutaka Kikutake Gallery. “tree of life #017 and tree of life #018” commissioned by the V&A Parasol Foundation Women in Photography project with support from the Parasol Foundation Trust.

手縫いのオブジェや、義足で生きる自身の体を被写体に、自己と他者、自然と人工物などの間にある境界線を揺さぶり続ける片山真理。「上下左右という規範。世界や社会、コミュニティ、地図、写真の構図をぐるぐると回転したい。それは『解放』への第一歩」と言うように、どの作品にも既存の形式や価値観に捉われない、強い意志が垣間見える。『tree of life』シリーズは、鏡の反射と歪みを用いながら、時間とともに変容していく自身を表現した現在地だ。そんな片山が今、最も解放したいものは「重力」だそう。

「義足で走るためのブレードは跳躍のため大きな推進力を生む構造になっていて、身体でその感覚を会得したいんです」

片山真理
1987年、埼玉県生まれ。重奏的な社会、役割、景色を確認する実践として手縫いのオブジェや写真、インスタレーションを展開し、自己と他者、自然と人工の境界に介入する。2011年より「選択の自由」を掲げた「ハイヒール・プロジェクト」を主宰。作品集に『Synthesis』（SPBH Editions / MACK）などがある。3月19日（木）〜5月16日（土）、個展「tree of life」をYutaka Kikutake Gallery Roppongi（東京・六本木）で開催。（Photo: H.K）
https://marikatayama.com/

──あなたが目指す解放とは？
「世界各地で暴力や虐殺を受けている人々が、一刻も早く解き放たれることを強く求めます」

『ポートレイト』2023年

「家父長制を基盤とする社会構造のなかで内面化され、私自身を矮小化してきた思い込み。それは何であり、どのように形作られてきたのか。作品を制作する過程を通して、その正体を問い直しています」と語る谷澤紗和子。白人男性が主体となってきた「美術」の外に置かれた存在だという切り絵を中心にさまざまな表現方法を横断し、「妄想力の解放」や「女性像」をテーマにした作品を制作する。

本作『ポートレイト』は、男性中心の美術の歴史のなかで価値基準の一つとされてきた女性像を「保留」にした状態を紙で描いた。一人の作家として、フェミニストとして、この時代においてどのような女性像を描くべきなのか——そんな逡巡が浮かび上がってくる。

谷澤紗和子
1982年、大阪府生まれ。京都市立芸術大学准教授。ジェンダーの視点から先達の足跡を追い、マジョリティ中心の社会でかき消された声に着目した作品を発表。白人男性主体の「美術」の外に置かれてきた素材や技法を用いて制作する。アーティストグループ刷音（シュアイン）として参加する「CONNEXIONS｜コネクションズ」展が鳥取県立美術館で3月22日（日）まで、個人では3月28日（土）開幕の福岡市美術館「第4回福岡アートアワード受賞作品展」に出展。
www.tanizawasawako.com/

──あなたが目指す解放とは？
「誰かの権利や命を奪う大きな力に迎合させられることを私は拒絶し、解放を求める」

『Selfies』2021年 作家蔵

衣服など身近なもののDIYによって、社会に問いを投げかけるsuper-KIKI。『Selfies』はメイクアップした自身をInstagramに投稿するシリーズだ。一人のうちにある複雑さやジレンマを描くとともに「男から見て美しくない女は価値がない」といった呪いからの解放を促す。そこからは人間を男性と女性だけに分ける二元論、異性愛や美醜の概念を強固にする権力者への抵抗が見て取れる。さらに視線は、パレスチナでの虐殺をはじめとした植民地主義的支配に向けられる。

「強い権力は暴走できる性質を持っている。それを反対側から引っ張りバランスを保つことは、力を持たない私たちの役割です。強い力には価値があるという幻想から解き放たれたいと、そう思います」

super-KIKI（スーパー・キキ）
1984年、神奈川県生まれ。社会に対する疑問やメッセージを、ぬいぐるみでできた横断幕やネオンサイン風のプラカード、衣服などのDIYによって表現する。誰もが無理をせず日常的に声を上げられる方法として、身に着けられる政治的なアイテム「政治的衣服」をECサイトで販売。4月26日（日）『ビッグイシュー日本版』が主催する「りんりんふぇす」（東京・山谷、玉姫公園）にて、政治的なメッセージを刷るステンシルワークショップを行う。
https://superkikishop.com/

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ロシアの写真家、クリスティーナ・ロシュコワによる写真集の販売を記念した写真展が、東京・渋谷PARCO 4FにあるPARCO MUSEUM TOKYOにて開催中。

ロシア国内を拠点とし、国際的な雑誌や国外での写真集発売を精力的に行うクリスティーナ・ロシュコワ。写真集の販売を記念し、日本では2度目かつ初の大規模な展示「unbewitched／アンビウィッチド」が開催中だ。

本作にて描かれるのは、高度経済成長を経た後の「アンビウィッチド（魔法が解かれた、夢からさめた）」現在のタフなリアリティと、夢からさめても（なお）求めるファンタジー。少女や少年、恋人たち、性的少数者へ深い親密さをもって向けられるロシュコワのまなざしは、世界の読者を惹きつけている。

緊張感と親密さを併せ持つ、クリスティーナ・ロシュコワの世界観。ぜひ体験してみては。

※掲載情報は4月3日時点のものです。
開館日時など最新情報は公式サイトをご確認ください。

クリスティーナ・ロシュコワ「unbewitched／アンビウィッチド」
会場／PARCO MUSEUM TOKYO（渋谷PARCO 4F）
住所／東京都渋谷区宇田川町15-1
会期／2026年3月20日（金）〜 4月13日（月）
時間／11:00〜21:00
料金／500円※未就学児無料
URL／art.parco.jp/museumtokyo/detail/?id=1869

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「飯川雄大　大事なことは何かを見つけたとき」展が水戸芸術館現代美術ギャラリーにて開催されている。2026年5月6日（水）まで。

人間の知覚というのは曖昧なもので、時間の感じ方は人それぞれであるし、見えている世界もちょっとしたきっかけで違うものが現れることもある。飯川雄大（いいかわ たけひろ）はそんな人々の認識の不確かさや、社会で見過ごされがちな存在に目を向ける作品を制作してきた。

部屋いっぱいに現れる巨大なピンクの猫の小林さん。会場のあちらこちらに置かれたリュックやスポーツバッグ、壁から出ているロープ。「？？」となって、思わず解説や但し書きを探したくもなる。スマホを向けても、この気持ちは誰かに簡単に伝えられる気がしない。ちなみに本展のはじまりの入口もブルーの壁で塞がれている。

これらは2007年から発表しているシリーズ作品「デコレータークラブ」。それは世界中に生息する擬態する蟹の名前から由来している。目撃した人は興奮して語るが、彼らが見た蟹の姿は人によってさまざまで、正確な姿はわからないという。作品もまた、一見、かわいらしかったり、日常的に馴染みのあるものによって構成されているが、何か違和感があったりする。作品に出会った鑑賞者たちは、考えたり、作品に触れたり、関わったり、自らの意思で参加することもできる。それは美術館という枠にもとどまらない。時間や場所や距離を超えて、なにかを届けることもできる。

飯川雄大の作品は、とにかく出向いて、まず出会ってほしい。展覧会タイトルの「大事なことは何かを見つけたとき」はまさにそのもの。

訪れた人たちそれぞれが体験し、その場で誰かと何かを共有すること。答えがあるわけではない。「？？」が「？？？？？」に増幅して終わるかもしれない。でも、自分に回帰する、そしてそんな人たちに出会う、または目撃する展覧会でもある。当日に限り入退場自由なので、ぜひ出たり入ったり行ったり来たりしてほしい。（たぶん何度も楽しめます）

飯川雄大『デコレータークラブ―新しい観客』2022年、「感覚の領域　今、「経験する」ということ」展（国立国際美術館、大阪）と個展「デコレータークラブ：メイクスペース、ユーズスペース」（兵庫県立美術館）での連携実施、Photo: Takehiro Iikawa, courtesy of the artist

また、本展出品作『デコレータークラブ―新しい観客』と連携する展覧会が、都内で開催されている。横浜みなとみらい線高島駅にあるギャラリーArt Center NEWでは特別展示「横浜、猫、卓球台」が５月23日まで開催。東京天王洲のKOTARO NUKAGAでは、「デコレータークラブ：重いバッグの中身」を５月２３日（土）まで開催。東京のgallery αMでは「立ち止まり振り返る、そして前を向く|vol.5」が6月13日（土）まで。

飯川雄大　大事なことは何かを見つけたとき
会期／2026年2月28日（土）～5月6日（水・振）
開場時間／10:00～18:00（入場は17:30 まで）
会場／水戸芸術館現代美術ギャラリー
休館日／月曜日　※5月4日（月・祝）は開館
入場料／一般900円、高校生以下・70 歳以上・障害者手帳などをお持ちの方と付き添いの方１名は無料
URL／www.arttowermito.or.jp

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少し前になりますが、2025年11月に中国・上海のウェストバンドにてフラワーアーティスト東信の展覧会「四方自然―Square Nature」が開催されました。

ウェストバンドエリアの工場跡地を生かした巨大なギャラリーや元燃油タンクの美術館「上海油罐芸術中心」（TANK Shanghai）

会場は、西岸美術館（ウェストバンドミュージアム）のギャラリースペース。このウェストバンドとは、黄浦江沿いの徐匯区の古い工業施設跡地を再開発し、美術館、ギャラリーなどの施設に加え、アリババも上海オフィスを構える、現代アート・文化と都市再生が融合した、注目の新興エリア。そして、個展と同時期に開催された国際アートフェア「ウェストバンド・アート＆デザイン」の拠点でもあります。

開発が進む都市を舞台に繰り広げられた展覧会は、コンクリート打ちっぱなしの人工的なギャラリー空間に息づく自然の生態系と、自然とテクノロジーが交差する姿を通して、私たちと自然との繋がりを問いかけるという内容。東がこれまで発表してきたアーカイブ作品を軸に、サイズもアプローチもさまざまな「スクエア／四角」の中で表現し、最新形にアップデート。これらの作品群を通して新たな植物の表現の可能性を提示する。

1階には、かつてドリス ヴァン ノッテン2017SSのショーのラウンウェイを飾ったこともある、シグネチャー作品のひとつ、氷の中にフラワーアレンジメントを閉じ込めた「ICED FLOWERS」と、その保管装置でもある特製冷凍庫９基を配したインスタレーション。まるでSF映画の中のワンシーンのような。

2階には、盆栽が格納された『パルダリウム TAMOTSU』。3階には、透明アクリルに中に瞬間の美と生命を留めた『BLOCK FLOWERS』が植物標本のように整然と並ぶ。ちなみに、このアイコニックな作品シリーズは、先日、東京・代官山にオープンした「ディオール バンブー パビリオン」の店内も壁面も飾っている。

再び1階に戻ると、奥には、今回の個展のメインとも言える、さまざまな植生が混在する箱庭。生きたままアレンジした植物の生命を維持する巨大な装置『SQUARE NATURE（四方自然）』が鎮座する。東の作品シリーズでもある植物保管機「パルダリウム」が進化しスケールアップした。本来、自然環境の中では成立し得ない組み合わせを、人為的に成立させる自然界への挑戦でもあるようだ。この生きたフラワーアレンジメントは、生き続けることで変化し、もしかしたらこの小さな自然の中で淘汰され、朽ちてしまうかもしれない。その変化の過程をも含めた作品といえる。

そして、この展示室の窓辺に並べられたコンクリートの立方体『Concrete × Bulb 2025』。よく見ると、光に導かれ、球根が芽を出し始めていた。

「これらの作品はすべて、時とともに変化し続ける。
光は太陽の軌跡をなぞり、雨が降り、霧が立ち上る。
盆栽は霧の中で呼吸する。花は凍り、やがて柔らぎ、消えていく。球根は光を求めてコンクリートから芽吹く。
切り取られた四角い空間の中で、時間は生命の強さと、その儚い移ろいをあらわにする」

これまでにも、鉄骨の立方体フレームに松の盆栽をワイヤーで吊るした「式1」シリーズでは、大自然の絶景や廃墟、大気、水中でその植物の生命力の強さを示してきた。手法は変われど、一貫して、東信の植物表現は、自然界に存在しえない枠の中に自然・植物を留めることで、有限を無限に置き換え、植物の存在価値を高めてきた。

この大小様々な四角い箱の中に閉じ込められた美しい植物の生命は、時の流れとともに変化し続けていくだろう。絶えず進化を続ける上海という人工的な都市で、植物表現の新たな可能性を追求する展示となった。

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東京・高輪ゲートウェイに、注目の新施設「MoN Takanawa: The Museum of Narratives」が誕生する。こけら落とし展「ぐるぐる展—進化しつづける人類の物語」は、2024年3月28日（木）から9月23日（月・祝）まで。

JR高輪ゲートウェイ駅直結のエリア「TAKANAWA GATEWAY CITY」に、地上6階・地下3階という大型スケールの実験的ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives（モン タカナワ：ザ ミュージアム オブ ナラティブズ）」（以下：MoN Takanawa）が新しくオープンする。年2回掲げる「テーマ（＝問い）」を軸に、伝統芸能や漫画・アニメ、音楽、食といった日本文化に最新技術を掛け合わせたプログラムを館内で展開し、日本の伝統文化を未来へとつなぐ文化創造・発信の拠点を目指すという。

そんなMoN Takanawaの開館を記念した展覧会『ぐるぐる展—進化しつづける人類の物語』では、古今東西の“ぐるぐる”に着目。宇宙の銀河や地球、海、縄文土器、回転寿司、指紋やつむじ、思考のめぐりまで、自然界の現象から人類が築いてきた技術や文化に至るまでを横断的に紹介する。アートや社会、テクノロジー、サイエンス、伝統文化といった領域を行き来しながら、“ぐるぐる”の力を読み解く試みだ。

このほかMoN Takanawaでは、歌舞伎の新たな演出表現や体験型の舞台、空間全体を生かした音楽プログラム、メディアとの共同企画、海外の文化施設や地域の美術館との協働によるイベントなど、さまざまな展開を実施予定している。

新たな文化拠点の取り組みにぜひご注目を！

※掲載情報は3月30日時点のものです。
開館日や時間など最新情報は公式サイトをチェックしてください。

ぐるぐる展ー進化しつづける人類の物語
会期／2026年3月28日（土）～9月23日（水・祝）
会場／MoN Takanawa: The Museum of Narratives Box1500
住所／東京都港区三田3-16-1 TAKANAWA GATEWAY CITY
料金（通常）／一般 2500円、25歳以下 1500円、小中高生 800円、未就学児 無料
時間／10:00～19:00（金・土曜日は、～21:00まで）
休館／会期中無休
問い合わせ／montakanawa.jp/contact/
URL／montakanawa.jp/programs/spiral/

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エスパス ルイ・ヴィトンの設立20周年を迎え、インド美術への深い造詣をもつアーティスト、リナ・バネルジーの個展「“You made me leave home…」が、東京・表参道のエスパス ルイ・ヴィトン東京にて開催。会期は、2026年3月19日（木）〜9月13日（日）まで。

インド出身で、現在はニューヨークを拠点に活動しているリナ・バネルジー。イギリスでの生活を経て、7歳の時に家族とともにアメリカに移住。大学では高分子工学を専攻し、プラスチック、ゴム、繊維といった高分子材料を設計、分析、修正、加工する学際的な分野での研鑽は工学的な視点を生み出し、それらは彼女の思考や作品世界に表れている。

また、イェール大学で絵画・版画の修士号を取得。クイーンズ美術館での画期的な展覧会「Out of India: Contemporary Art of the South Asian Diaspora」（1997年）への参加や、2000年の「ホイットニー·ビエンナーレ」（ニューヨーク）への選出を機に、一躍その名を知られるようになった。

パネルジーは約30年にわたる創作活動を通じて、植民地主義、移住、アイデンティティ、国際的な人と物の移動、気候変動、労働、エキゾチシズム、装飾、そして伝統と近代・現代性の間に横たわる緊張関係といった重要なテーマを探求してきた。ポストコロニアル・フェミニズムのアプローチを取り入れる彼女は、多様なサイズ、形、色彩を持つ女性像を制作。「男性の視線から女神を解き放ち、文化における想像力を支配する（男性から見た）性的な（中略）表象から彼女を解放すること」に注力しているという。

本展では、地球規模で行われる人間と物の移動と植民地主義のレガシーというテーマに焦点を当て、インスタレーションから彫刻、絵画まで、自身が厳選した作品19点を展示する。本展の核となるのは、記念碑的なインスタレーション『In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous, polluted with excess pollination…』（2008年）だ。フランスの作家ジュール・ヴェルヌの小説『八十日間世界一周』から着想を得たという本作は、世界を巡る冒険の旅がもたらす驚異と危うさを表現している。また、人毛の国際取引とその政治的背景を扱った近作『Black Noodles』（2023年）も公開される。

エスパス ルイ・ヴィトンの設立20周年、およびフォンダシオン ルイ・ヴィトンの「Hors-les-murs（壁を越えて）」プログラム10周年という2つの節目を記念して開催される本展に、どうぞご注目を。

※掲載情報は3月29日時点のものです。
開館日時など最新情報は公式サイトをご確認ください。

リナ・バネルジー「“You made me leave home…」展
会期／2026年3月19日（木）〜9月13日（日）
会場／エスパス ルイ·ヴィトン東京
住所／東京都渋谷区神宮前5-7-5　ルイ・ヴィトン表参道ビル 7F
開館時間／12:00〜20:00
休館日／ルイ・ヴィトン 表参道店に準じる
料金／入場無料
※会場内の混雑防止のため、入場をお待ちいただく場合あり
URL／https://www.espacelouisvuittontokyo.com/ja/

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写真家・佐内正史による展覧会シリーズの第3弾が開催され、岡本太郎作品を撮影した新作を軸に展開する。「展対照 ＜第三部＞」は、東京・代々木八幡のVacant/Centreにて、2026年4月13日（月）まで。

写真家・佐内正史（さない・まさふみ）は、1997年に写真集『生きている』でデビュー。90年代を代表する写真家として、雑誌や広告などさまざまな媒体で活動し、2003年には『MAP』（2002年）で、日本写真界の芥川賞といわれる木村伊兵衛写真賞を受賞。くるりや中村一義らのアルバムジャケット写真も手がけたほか、08年には自主レーベル「対照」を立ち上げ、数多くの写真集を発表してきた。

そんな佐内が「対照」から刊行した写真集のいくつかは、アートやデザインの展覧会やイベントを展開するVacantとともに、「写真の物質的価値や写真へのまなざしを更新する」ことを試みる展覧会シリーズ「展対照（てんたいしょう）」として“解体”されてきた。24年の第一部では、写真集『写真の体毛』（2022年）、『度九層』（2012年）、『島島』（2010年）から未収録作約30点を展示。25年の第二部では、『写真がいってかえってきた』（2024年）を中心に、『ARCA』（2008年）や『パイロン』（2011年）から選び抜かれた作品によって展覧会が構成された。

本展「展対照 ＜第三部＞」では、岡本太郎の作品を撮影した最新作『雷写』（2026年）を中心に、『Strong Memory』（2025年）、『銀河』（2018年）から厳選された作品を展開する。

なお、東京・南青山の岡本太郎記念館では、佐内正史による写真展「雷写 / Raisha」も開催。こちらは、2026年7月12日（日）まで。

ぜひ、2会場を巡ってみてはいかが。

※掲載情報は3月28日時点のものです。
開館日や時間など最新情報は公式サイトをチェックしてください。

展対照 ＜第三部＞/ Tentaishow Part 3
会期／2026年3月20日（金）～4月13日（月）
会場／Vacant/Centre
住所／東京都渋谷区元代々木町27-6
料金／無料
時間／13:00〜18:00
休館／火〜木曜日
問い合わせ／www.vacant.vc/contact
URL／www.vacant.vc/page/centre/tentaishow3

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・バンダ
・カトレア
・パフィオペディラム
・アンスリウム
・エケベリア

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今月のフラワーアート vol.196掲載
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東信（Makoto Azuma）
1976年福岡県生まれ。2002年より花屋を営み続け、現在は東京・南青山にてオートクチュールの花屋「JARDINS des FLEURS」を構える。また、フラワーアーティストとして国内外で精力的な活動を展開。05年からニューヨーク、パリ、ドイツなど海外を中心に個展を開催。09年、植物の可能性をさらに追求する実験的植物集団「東信、花樹研究所」を立ち上げ、植物をキーワードにさまざまな分野で幅広く活動。東のすべてにおける活動は花・植物のみが有している最も神秘的な形を見つけ、それを美的なレベルに変換し表現することで、植物の価値を高めることに一貫している。
https://azumamakoto.com/

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